Comunidad de Madrid

Rubik Ensemble

Transcendencias contemporáneas

INTÉRPRETES
Conchi Díaz (voz)
Adriana Gómez (piano)
Alvaro Llorente (violonchelo)
Elena Molina (violín)
Ana San Juan (clarinete)
Carmen Terol (flauta)

PROGRAMA


Réquiem”, para flauta solo
Kazuo Fukushima.

“Suite Hebraïque”, para clarinete y piano
Srul Irving Glick.

I. Cantorial Chant
II. Chasidic Dance
III. Hora
IV. Lullaby
V. Dialogue
VI. Circle Dance

“Deux melodies Hebraiques”, para violonchelo y piano
Maurice Ravel.

“Epistle of Love”, para voz soprano y piano
Sir John Taverner.

I. Into Beauty
II. Yearning for the Lord
III. The Epistle of Love
IV. A Communing Morn
V. As a Second Sun
VI. Absolved in the Mirror
VII. Echo

I Into Beauty Into beauty didst thou transform thy life. The hot passions didst thou tame. By dint of utmost serenity Didst thou o recome the onslaught of demons. Bishop Marko (1359-1412)

II Yearning of the Lord Neither care nor confinement Nor the many years' incarceration Nor being stabbed blind Couls diminish by one iota Thy Yearning for the Lord Gregorije Camblack (c.1360-1419)

III Epistle of Love If your holiness knew How I rejoice in sacerdote bliss, Since with our God I calme to know you But brief was our meeting, And fleeting as in a looking-glass, Or as though a faint dream had enfolded me... And I hearkened to your goodly soul, And your angelic life And our final separation. Jelena Balsic Stracimirovic (1368-1442)

IV: A Communing Morn A Communing Morn in your heart did glow, As ever, glorious, The East shining upon your soul's thought, The constanst light of joy within You. So, as to a feas y, Towards your end You strode. Your wish drew You towards the perfect one. Andrei (Siglo XVI)

V As a Second Sun As a second sun You shone from the West. And the fruit of your womb As most sweet perfume To God was offered. Un monje de Krušedol (primera mitad del Siglo XVI)

VI Absolved in the Mirror In the mirror, absolved, you see the Trinity, Its eternity, and glory, And exult in it. Un monje de Kupinova (finales del siglo XV primera mitad de siglo XVI) VII Echo Into beauty... Traducido de "Anthology of Mediæval and Renaissance Serbian Poetry. (1987)
Copyright Pedrag Dragic Kijuc

“Fratres”, para violín y piano
Arvo Pärt.

“Touching the Ether”, para flauta y piano
Ian Clarke.

“Ko-lho”, para flauta y clarinete
Giacinto Scelsi.

“Between Tides”, para violín, violonchelo y piano
Toru Takemitsu.


NOTAS AL PROGRAMA


Nacido en Tokio en abril de 1930, Kazuo Fukushima es uno de los compositores japoneses más relevantes. Muestra de ello son las sonoridades de la música tradicional japonesa junto a la notación, los efectos y los timbres de la música clásica occidental que convergen en esta obra. Réquiem es la palabra occidental que por definición se refiere a la composición musical que tiene por texto la misa de difuntos. En esta ocasión Fukushima opta por componerla para flauta solo, instrumento cuyo sonido es capaz de proyectarse hacia el más allá, según la tradición nipona. El Sakuhachi, flauta japonesa de bambú, fue usada como herramienta religiosa y se creía que era el instrumento vehicular entre la vida y la muerte. Debido a esto, el compositor hace uso de este instrumento para realizar este cántico a la muerte compuesto en 1956.

“SUITE HEBRAÏQUE”, SRUL IRVING GLICK

Srul Irving Glick (Toronto, 1934-2002) fue uno de los compositores más prolíficos y exitoso de Canadá. Además de componer, Glick se dedicó a la producción musical y de radio, la docencia y la dirección de coro. Además de en Toronto, estudió composición en Aspen y París con Darius Milhaud, Louis Saguer y Max Deutsch. Su padre, emigrante ruso, fue cantor en distintas Sinagogas. Este hecho, junto al repertorio clásico que escuchaba tocar a su hermano, clarinetista profesional, hicieron que Glick se animara a la composición, además de influir claramente en su estilo.

La Suite Hebráica Nº 1 para clarinete y piano fue escrita en 1961. Este trabajo está dedicado a sus padres. La obra se compone de seis movimientos, representando y/o describiendo cada unos de ellos diferentes aspectos del Judaísmo y su forma de vida. El primero es un salmo cantado, inspirado en los cánticos del padre de Glick. El segundo movimiento es una danza Jasídica, que ejecutan los judíos ortodoxos de esta corriente (el Jasidismo), y  que entraña la alegría del baile sagrado como oración. La tercera pieza se titula “Hora” y se trata de una danza Israelí. La nana que le sigue era cantada por los padres del compositor, tras nacer éste y durante sus primeros años de vida; está basada en una canción tradicional proveniente del Yiddish, una lengua milenaria perteneciente a las comunidades judías. El quinto movimiento representa un diálogo entre dos ideas musicales que parecen no llevarse bien. Así llegamos a la última pieza, una danza arremolinada en círculos y llena de júbilo, la cual brinda a esta Suite un final exuberante.  

“DEUX MELODIES HEBRAIQUES”, MAURICE RAVEL

Las “ Deux Melodies Hebraiques” de Ravel,  escritas en 1914 por encargo de  Alvina Alvi, soprano de la Ópera de San Petesburgo, poco antes de ser reclutado como chófer de camión durante la Primera Guerra Mundial, están consideradas como  una de las más bellas obras de música Judía de todos los tiempos. Si bien abandonó la Iglesia Católica Romana y se auto declaró ateo, también era sumamente espiritual como muchos escépticos de su generación; aunque a diferencia de  otros compositores coetáneos, huía de los temas religiosos, y buscaba influencia en la mitología clásica.

El “Kaddish”, título de la primera de estas piezas, es una de las oraciones más importantes de la liturgia judía, basada en un canto de luto. En ella, Ravel une por un lado una línea melódica libre con una interválica muy expresiva característica de los cantos melismáticos hebreos, con un acompañamiento simple al piano, construyendo una tensión que nos lleva a un éxtasis contenido. Es esta simpleza la que hace que la pieza sea aún más conmovedora. La segunda pieza, “L' Enigme Eternelle”, es por contraposición mucho más estricta en cuanto a rítmica. Basada en un verso tradicional Yiddish, en ella se plasma el eterno rompecabezas de la existencia.

En el concierto de hoy, interpretamos la transcripción para violonchelo y piano realizada por el violonchelista Orfeo Mandozzi.

“EPISTLE OF LOVE”, SIR JOHN TAVENER

Como Sir John Tavener (1944-2013) dijo en el estreno de la obra, (22 de marzo de 2001, Londres), que su intención era llevar el Eros de lo humano a lo divino, plasmar el pensamiento de los antiguos monjes y santos de ver “lo divino en cada persona”. Esta es la filosofía que subyace a la elección, por parte del compositor, de este ciclo de poemas espirituales serbios del Renacimiento. Miembro de la Iglesia Ortodoxa Rusa, la teología ortodoxa y su tradición litúrgica se convirtieron en la influencia más importante de su obra, interesándose particularmente por el misticismo.

En sus propias notas, escritas en la partitura, el compositor, buscando el balance entre simplicidad y esplendor, nos explica: “En Epistle of Love he introducido el escenario de la poesía mística serbia de la Edad Media. Escritos en su mayor parte por monjes, los poemas fueron concebidos como un anhelo por Dios. Amar, en el sentido primitivo, es el secreto de la Salvación. El cantante debe meditar sobre las canciones, y cantarlas con gran pureza. Deben transmitir un anhelo trascendente, enfocándose hacia la serenidad y el sigilo de la Virgen María, Madre de Dios, y por supuesto hacia su Hijo.”

“FRATRES”, ARVO PÄRT

Fratres (“hermanos” en latín), compuesta por Arvo Pärt en 1977, es una de sus obras que exploran la técnica “tintinnabuli” desarrollada tras una crisis personal, artística y espiritual que comenzó a finales de la década de los 60. Este estilo, influenciado por las experiencias del compositor con el canto llano y la primera polifonía, se caracteriza por tener dos tipos de voces: la primera voz (o voz tintinnabular) arpegia las notas de la triada, mientras que la segunda voz se mueve melódicamente. Es este estilo el que muestra, desde el punto de vista espiritual, su compromiso readquirido con los rituales místicos y contemplativos de la Iglesia Ortodoxa Rusa. Como el propio Pärt dice: “ (…) Trabajo con muy pocos elementos, una o dos voces, construyo con los materiales más primitivos: triadas, una tonalidad... Las tres notas de la triada son como campanas. Y por ello lo llamo Tintinnabuli”

Esta versión de violín y piano, encargada por el Festival de Salzburgo en 1980, es una de las que más cambios ha experimentado desde la original. Mientras que el material armónico, en su mayoría realizado por el piano, permanece inalterado, el violín juega con una serie de variaciones virtuosas. Aquí reside el reto para el violinista: conseguir el virtuosismo sin romper con la serenidad, esencia de esta obra.

“TOUCHING THE ETHER”, IAN CLARKE

Esta pieza, compuesta en 2006 por el flautista y compositor Ian Clarke, desarrolla y combina técnicas extendidas de la flauta moderna con sonoridades clásicas y pinceladas de la música folk irlandesa.

Refleja las conexiones laterales y eternas entre las personas, entre la gente de diferentes partes del mundo y entre generaciones, extendiéndose hacia atrás y hacia adelante en el tiempo; como si estas relaciones nos acercaran a la posibilidad de alcanzar el éter. En esta obra se tratan estas conexiones, tanto a través del prisma personal de las relaciones cercanas como del amplio sentimiento de inestabilidad que producen las complejas interacciones que se dan a nuestro alrededor. Se trata de vislumbrar las ondas de acción y reacción, directas o indirectas, es decir, lo que denominamos comunmente efecto dominó.



“KO-LHÓ”, GIACOMO SCELSI.

Parafraseando a Giacinto Scelsi: “Las melodías por sí mismas se mueven de sonido a sonido pero los intervalos son abismos vacíos, las notas carecen de energía. El espacio interno está vacío". Scelsi descubrió la espiritualidad durante sus numerosos viajes a Oriente, sumergiéndose en la búsqueda de un entendimiento más profundo del universo. Ko-lhó, compuesta en 1966, parece ser el intento del compositor italiano de poner remedio a este espacio vacío entre las notas y retornar la vital energía de los sonidos a su construcción. En esta obra para flauta y clarinete, lo importante es lo que subyace bajo las notas, los armónicos resultantes, los ritmos y las inflexiones microtonales producidas por la sonoridad de ambos instrumentos en conjunto.

“BETWEEN TIDES”, TORU TAKEMITSU

Encargada por el Festival de Berlín en 1993 y estrenada por Pamela Frank, Yo-Yo Ma y Peter Serkin. Toru Takemitsu es uno de los más conocidos compositores japoneses del Siglo XX. Casi autodidacta, decidió ser compositor tras la Segunda Guerra Mundial, después de haber entrado en contacto con la música occidental durante la guerra. En 1957, alcanzó el reconocimiento internacional gracias a su estilo vanguardista con su obra “Réquiem”. Más adelante, en 1984, Takemitsu habla por primera vez de un estilo de composición que comenzaba a utilizar, el “mar de tonalidad” (sea of tonality). Para la cultura japonesa, el mar, como un espacio entre Oriente y Occidente, es un lugar independiente. Ahí se encuentra Takemitsu, explorando su identidad como autor que no pretende ser ni Oriental ni Occidental dentro de este mar. Estos tres aspectos de su música, vanguardismo, mar de tonalidad y dualidad Oriente –Occidente, confluyen en Between Tides (entre mareas).

En este trabajo encontramos una mezcla de influencias armónicas que van desde Messiaen a Duke Ellington, pasando por sonoridades neo-románticas. La palabra Tides (mareas) dentro del título, a la vez que sugiere el movimiento del océano a través del ritmo ondulante de la música, también habla de las estaciones y del universo, refiriéndose a algo multiforme que cambia sin darnos cuenta pero inexorablemente. Es por ello que la música de esta pieza cambia su forma muy poco a poco, como cambian las piedras en los jardines, como cambian las estaciones o las mareas. No hay nada que pueda ser concebido como un cambio drástico y, desde el principio hasta el final subyace un movimiento contínuo, un cambio lento pero incesante.


Rubik Ensemble 


Rubik Ensemble es un conjunto instrumental especializado en Música Contemporánea, formado por jóvenes músicos profesionales con intereses en común: dar a conocer a los compositores de hoy en día y su música, así como buscar y transmitir nuevas experiencias al público mediante la fusión y transformación de las distintas disciplinas artísticas, formando parte activa en definitiva del panorama cultural actual, y aportando todo aquello que complemente y enriquezca a un arte renovado y con un gran poder de comunicación.

Nuestros componentes han realizado sus estudios musicales en importantes escuelas nacionales e internacionales, formado parte de orquestas como la NJO, la JONDE o la Simón Bolívar, y ganado importantes premios y becas. En la actualidad compaginan su labor concertística con sus estudios de especialización y su labor docente en diversos conservatorios y escuelas de España.

Rubik ensemble ha participado en festivales como: COMA 12, Teatros del Canal, Conciertos didácticos en la UMAN, Festival Explurat Vigo, Propuesta Voces para la Mujer Invisible RABSAF, Artista Invitado en el Conservatorio Superior de Salamanca, I Ciclo de Música Contemporánea Iberoamericana en el Ateneo de Madrid, y en Manicomio VJ House , entre otros.

Hemos estrenado obras de compositores de la talla de Sergio Blardony, José Susi, Julián Ávila, Jaime Gutiérrez, Alejandro Moreno y Gustavo Díaz Luque.

Información práctica

  • CICLO MÚSICAS INFINITAS
  • Auditorio 400. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
  • Sábado 12 de marzo
  • 20:00 h.
  • Entrada libre hasta completar aforo
Información completa del espectáculo