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Morana Batkovic y José Gómez

STRAUSS-VERDI

  • INTÉRPRETES
  • Morana Batkovic, soprano
  • José Gómez, piano

PROGRAMA

I.
Richard Strauss
(1864-1949)
 

Morgen!, Op. 27, nº 4
Die Nacht, Op. 10, nº 3

   

Klavierstücke, Op. 3, nº 1

   

Wiegenlied, Op. 41, nº 1
Befreit, Op. 39, nº 4

   

Klavierstücke, Op. 3, nº 4

   

Allerseelen, Op. 10, nº 8
Zueignung, Op. 10, nº 1

II.  

 

Giuseppe Verdi
(1813-1901)
 

Ave Maria (de la ópera Otello)
Non t'accostare all'urna
Deh, pietoso, oh Addolorata

   

Romanza senza parole per pianoforte

   

Il tramonto
Morrò, ma prima in grazia (de la ópera Un ballo in maschera)
L'esule

NOTAS AL PROGRAMA

Morgen, Op. 27,  nº 4

Morgen (Mañana) es la última de una serie de cuatro canciones compuestas por Strauss en 1894. El texto de la canción fue escrito por John Henry Mackay.  Strauss había conocido a Mackay en Berlín, donde escribió Morgen el 21 de mayo de 1894, como uno de sus Cuatro Lieder, Opus 27, regalo de bodas a su esposa la cantante Paulina de Ahna con la que se desposaría pocos meses después. Inicialmente, la larga introducción que canta la soprano se compuso para piano solo y más tarde para piano con violín.  En 1897, Strauss arregló también una versión con acompañamiento orquestal. Morgen sigue siendo una de las obras más conocidas y más ampliamente registradas de Strauss. El propio compositor la grabó en 1919, acompañando el tenor Robert Hutt, y nuevamente, en 1941, en su versión orquestal, con el tenor Julio Patzak y la Orquesta Estatal de Baviera.

Die nacht, Op. 10, nº 3

El poema nos cuenta como la noche se enseñorea de la tierra robándole su belleza diurna, apagando las luces, las flores y los colores. Expresa el temor de que al igual que la noche roba el color de todo lo que es precioso, "tomando de la cúpula de la Catedral  su oro",  va a robar también el amado a la amante. La enamorada que canta, asustada del poder de la noche, urge al amado a que se acerque a ella y a que unan alma con alma, (Seel an Seele), no vaya a ser que la noche se lo lleve también a él. La canción de Strauss recoge las notas sensuales del poema con una ternura y dulzura teñidas de tristeza.

Klavierstücke, Op. 3, nº 1

Las Cinco piezas, Op.3, fueron compuestas en el invierno de 1880-81 y dedicadas, por consejo del editor Aibl, al famosodirector de orquesta Hans von Bülow, quien llegó a ser decisivo en la carrera del joven Strauss. Lo sorprendente esque a Bülow no le gustaron estas obritas«inmaduras y mediocres», tal como contestó a Aibl, «de un talentocomo los que uno encuentra abundantemente en las esquinasde cualquier calle». Y es sorprendente porque la bella primera pieza, Andante, tiene un marcado sabor brahmsiano y está muy bien escrita, lo que en teoría debería de haber agradado a Bülow.

Wiegenlied, Op. 41, nº 1

Compuesta en Marquartstein, el 22 de agosto de 1899, y dedicada a Mme. Marie Rosch "en la admiración amistosa", esta suave canción de cuna es interesante por la forma en que Strauss mantiene un equilibrio convincente entre un estilo de canción íntimo y un aria de concierto. Armonías convencionales de la canción siguen perfectamente el estado de ánimo sutilmente cambiante del poema de Richard Dehmel. La introducción y el acompañamiento están marcados por suaves y ligeros arpegios en el piano evocando al arpa. La línea melódica de la cantante se mueve con un ritmo pausado, considerablemente más lento.

Befreit, Op. 39, nº 4

El título Befreit puede significar "Liberación" o el acto de ser liberado. El texto describe a una pareja de enamorados cuya  profunda devoción entre sí los ha liberado del sufrimiento a pesar de las dificultades que han vivido. No obstante, el texto es difícil de entender y bastante ambiguo y Strauss hace una lectura marcadamente serena de él. Hay dos ideas principales que se repiten. La primera, una serie de acordes que representan la inmortalidad de su amor. La segunda está asociada con las palabras "¡Oh, Gluck!" (¡Ah, la felicidad!) con las que termina cada verso de la canción. Curiosamente, a Dehmel, el autor del poema, le disgustaba la versión musical  de Strauss, pero nunca dio razones convincentes de por qué. Por una parte comentó que el poema evocaba la imagen de un hombre que habla con su esposa moribunda, aunque en otros momentos se refirió a que describía una despedida temporal de dicha pareja que sería en sí misma un anticipo de la separación de la muerte. En cualquier caso, Dehel pareció considerar la lectura de Strauss demasiado serena y dulce, particularmente en la conclusión.

Klavierstücke, Op. 3, nº 4

Tal y como hemos mencionado antes, al  famoso director de orquesta Hans von Bülow no le gustaron estas obritas, «inmaduras y mediocres». A esta cuarta pieza la caracteriza el mendelssohniano Allegro molto -Max Steinitzer lo llamó «piececita de elfos»-, la vivacidad y el virtuosismo.  En todo caso, la descalificación de Bülow, pronunciada con su brusquedad habitual, puede ser aceptada en lo que se refiere a la falta de estilo personal, pero no en cuanto a la vulgaridad del talento del joven Strauss.

Allerseelen, Op. 10,  nº 8

Richard Strauss compuso esta emotiva canción en 1885 con tan sólo veintiún años de edad como última de las ocho canciones que integran su Opus 10 y, al igual que el resto de sus hermanas, compuesta sobre un poema del escritor austríaco Hermann von Gilm zu Rosenegg (1812-1864) perteneciente al ciclo Letze Blätter (Últimas Hojas). Allerseelen pertenece a la etapa previa al comienzo de la influencia de Wagner y Liszt en su obra y enlaza directamente con la tradición representada por Mendelsohnn, Schumann y Brahms, más acorde con el carácter íntimo del género liderístico. Sin embargo, a pesar del apacible Mi bemol que baña toda la pieza, la pieza presenta, como no podía ser menos en una obra escrita en pleno postromanticismo, atrevidas modulaciones y un evolucionado acompañamiento pianístico.

Zueignung, Op.10, nº 1

Esta Dedicatoria la escribió Strauss con tan solo 18 años. Es un agradecimiento a la persona amada que le ha salvado con su amor, que lo ha "santificado".  En apenas dos minutos de música Strauss consigue sobre la base de una melodía bellísima mantener la tensión y, a la vez, elaborar una progresión que termina desembocando en un clímax ambiguo, dejando así en esta partitura el mismo particular sello distintivo que aparece en sus últimos lieders.

Ave Maria (de la ópera Otello)

La penúltima ópera de Giuseppe Verdi fue Otello. Como de costumbre, Verdi se inspiró en una obra literaria previa, que en este caso es la tragedia Otelo, de William Shakespeare. Se trata de una ópera basada en los celos que el protagonista, Otello, siente hacia su esposa Desdémona, sospechando que ella le es infiel. El maquiavélico Yago ha ido poco a poco introduciéndole ideas obsesivas a Otello, hasta que éste pierde por completo el juicio. Sola en su aposento, Desdemona canta una delicada Ave Maria la oración con la que encomienda su alma a Dios, y se duerme convencida de su muerte. Silenciosamente entra Otello con una espada. Besa a su esposa y con ello la despierta. Otelo le pregunta si ha rezado, porque no quiere matar su alma. Ella le ruega piedad a Dios, tanto para ella como para Otello. Éste la acusa de pecar, diciendo que la tiene que matar porque ama a Cassio. Ella lo niega y le dice que llame a Cassio, pero Otello le responde que está muerto. Desdémona le pide que se apiade de ella, pero Otello le dice que es demasiado tarde y la estrangula.

Non t'accostare all'urna (1838)

Verdi escribió canciones para voz y piano de manera intermitente a lo largo de su carrera, de hecho, fue conocido en Milán mucho antes como compositor de estas pequeñas piezas, antes de que se escuchara una sola nota de sus títulos para la escena. Desde la época de sus estudios en la capital lombarda, Verdi tenía sus ojos puestos en La Scala y estaba claramente decidido a presentarse como un futuro compositor de óperas trágicas. Esto se hace patente en el trágico pathos de la primera canción de Non t´accostare all’urna,  con sus acentos amenazantes y su enérgica declamación, tal y como encontramos en las primeras óperas del autor. Non t'acostare all'urna sigue la estela trágica y densa del In questa tomba oscura, de Beethoven.

Deh, pietoso, oh Addolorata  (1838)

Ésta canción pertenece también a las juveniles Sei romanze, de 1838, y es una traducción al italiano, hecha por Luigi Balestra, un abogado de Busseto, de la célebre oración de Margarita de la primera parte del Fausto, de Johann Wolfgang Goethe, que conserva todo el patetismo del original.

Romanza senza parole per pianoforte en Fa Mayor

Abandonada a su suerte y maltratada por la ópera, la música instrumental agonizaba cada vez más en Italia a medida que avanzaba el siglo. Hasta una autoridad como Verdi había llegado a proclamar en 1863: “Nuestro arte no está en lo instrumental”. Sin embargo y aunque no es un capítulo muy abundante dentro de su producción, Verdi se acercó varias veces, por diversas circunstancias, a la música instrumental. En su catálogo pianistico encontramos únicamente dos pequeñas piezas, ambas muy breves: Vals en Fa mayor  y la que escucharemos hoy: Romanza senza parole en Fa mayor, escrita en 1844 y publicada en 1865.

Il tramonto 1845

Esta canción está privada del dramatismo que caracteriza las obras de Verdi. La obra parece ser una serena descripción de un estado de ánimo al contemplar el atardecer que trae al protagonista recuerdos de un amor pasado en un tiempo más feliz.

Morrò, ma prima in grazia (de la ópera Un ballo in maschera)

Basado en el libreto de Eugène Scribe para la ópera Gustave III (1833), de Daniel-François Auber, que se basó vagamente en el asesinato histórico del rey Gustavo III de Suecia. En 1792, éste fue asesinado como resultado de una conspiración política. Recibió un tiro mientras estaba en un baile de máscaras y murió 13 días más tarde por sus heridas. Para el libreto, Scribe conservó los nombres de algunas de las figuras históricas implicadas, la conspiración y el asesinato en un baile de máscaras. El resto de la obra - las caracterizaciones, el romance, la adivinación del futuro, etc.- es invención de Scribe por lo que la ópera no es exacta históricamente. El aria Morrò, ma prima in grazia... (Moriré, pero una gracia antes) la canta Amelia en el tercer acto. Renato, su marido llega junto a Amelia a la casa que ambos comparten, todo

MORANA BATKOVIC

Nacida en Zadar (Croacia), estudió en la Academia de Música de la Universidad de Zagreb, centro en el que se diploma como pianista, bajo la tutela de Ljubomir Gasparovic.

Posteriormente amplía su formación en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con Ana Guijarro. Como pianista, ha trabajado en la Ópera de Málaga, desarrollando así una especial afinidad por la voz.

Comienza sus estudios de canto con Alicia Molina, en el Conservatorio Superior de Música de Málaga, continuando su formación, con Manuel Cid y  Juan Lomba, en la Escuela Superior de Canto de Madrid, en la que se diploma en el año 2013. Ha recibido clases magistrales de renombrados maestros como Gerd Türk, Helena Lazarska, Joyce di Donato, Helen Donath, Suso Mariategui, Georgina von Benza, Josefina Arregui, Dolora Zajick, Giulio Zappa, Charles Spencer y Carlos Chausson. Ha cantado como soprano solista en la Pequeña Misa Solemne y en el Stabat Mater, de G. Rossini.

Ha ofrecido recitales en España, Italia, Eslovaquia y Croacia, país en el que actúa dentro el Ciclo Sfumato y el Festival de las Donatske Veceri. Ha realizado también grabaciones para la radio nacional croata (HRT). Es Primer Premio del Concurso Nacional de Música de Cámara de Croacia.

Recientemente ha ganado el Tercer Premio en el IX Concurso Internacional de Canto Villa de Colmenar Viejo.

JOSÉ GÓMEZ

Nacido en Gijón, Asturias, José Gómez es uno de los máximos exponentes de su generación de directores de orquesta españoles.  Completó sus estudios de piano en el Real Conservatorio de Música de Madrid con Guillermo González. Posteriormente, se graduó con un Master en piano y dirección de orquesta, por la Hartt School of Music (Estados Unidos), bajo la dirección de Luiz de Moura Castro y Kurt Klippstatter, ampliando repertorio operístico y sinfónico con Jesús López Cobos en las Berlín Deustche Oper (Alemania), Cincinnati Symphony Orchestra (Estados Unidos) y Orchestre de Chambre de Lausanne (Suiza).

De 1989 a 1991 José Gómez fue Director Asistente de la Trenton Symphony Orchestra (Estados Unidos).  En 1992 fue nombrado Director Musical de la Orquesta Clásica de La Laguna (Tenerife), en 1998 fundador y primer Director Titular de la Orquesta Sinfónica Ciudad de Oviedo, actualmente Oviedo Filarmonía (Asturias) y en 2003 Director Musical de Sonora Ensemble (Madrid).

Su versatilidad como director le ha llevado a dirigir un amplio y variado número de obras de repertorio sinfónico, coral, lírico y de ballet. Ha participado en la programación lírica de la mayoría de los teatros españoles como el Teatro Lírico Nacional de La Zarzuela (Madrid), Teatro Campoamor (Oviedo), Teatro Pérez Galdós (Las Palmas), Teatro Guimerá (Tenerife), Teatro Villamarta (Jerez),  Palacio  de  Festivales  de  Cantabria  (Santander), Teatro Calderón (Valladolid) y en el Festival Internacional de Música de Santander. Ha compartido escenario con solistas de reconocido prestigio internacional, tales como Raina Kabaivanska, Inva Mula, Agustín León Ara, David Jolley, Frank Morelli, Alessio Bax, Keren Tannenbaum, Guillermo González, Gustavo Díaz Jerez, y Slava Grigoryan, entre otros.

En España, José Gómez ha colaborado con las orquestas Sinfónica de Castilla-León, Sinfónica de Tenerife, Sinfónica del Principado de Asturias, Filarmonia de Galicia, Comunidad de Madrid, Ciudad de Málaga, Córdoba, Ciudad de Granada, Sinfónica de Navarra, Sinfónica de Baleares, Manuel de Falla y Sinfónica de la Región de Murcia, entre otras.  En el plano internacional, ha sido invitado por las siguientes orquestas: Israel Symphony Orchestra Rishon LeZion, Filarmónica de Turín, Filarmónica de Bogotá, Columbus Symphony Orchestra, Boulder Philharmonic Orchestra, Rhode Island Philharmonic, Bergen Philharmonic Orchestra, Orchestre Symphonique de Trois-Rivières, Orquesta Nacional de Ucrania, Orquesta Sinfónica de Praga, Royal Oman Symphony Orchestra y Orquesta Filarmónica de Transilvania.

Información práctica

  • ALALPARDO
  • Sala de Exposiciones Al-Artis
  • 4 de julio – 21:00 h.
  • Entrada libre hasta completar aforo