El gran sarao del mundo
Anónimo (S.XVII): Marizápalos
Luis de Briceño (1610-1630): Dime de qué te quejas
Luis de Briceño (1610-1630): Dança o Entrada de sarao español
Henry Le Bailly (c.1590-1637): Yo soy la locura
José Marín (c.1619-1699): No piense menguilla ya
Luis de Briceño (1610-1630): La danza de la hacha
Francisco Berxes (c.1668-1702): Ay qué mal
Anónimo (S.XVII): Solo a la vida humana
Luis de Briceño (1610-1630): Consideraciones y preceptos de un casado
Luis de Briceño (1610-1630): Serrana si vuestros ojos
Juan Hidalgo (1614-1685): Esperar, sentir, morir
Juan Arañés (c.1580-c.1649): Un sarao de la chacona
Irene Serrano (EL AUTOR) | dirección escénica y dramaturgia
Luis Sorolla (EL MUNDO) | dirección escénica y dramaturgia
Berta Ares (EL POBRE) | dirección musical, violín barroco
Nacho Laguna (EL REY) | dirección musical, tiorba y guitarra barroca
Giulio Tanasini (LA DISCRECIÓN) | viola de gamba
Ana Nicolás de Cabo (EL LABRADOR) | percusión
Mèlina Perlien-Féliers (LA HERMOSURA) | arpa
Jaume Guri Batlle (EL RICO) | violín barroco
Laia Blasco (LA VOZ) | soprano
Arthur Baldensperger (LA LEY DE GRACIA) | barítono
Paola de Diego | plástica escénica
Aparece el Autor. Se pasea por el escenario, lo observa... De pronto se le antoja hacer una fiesta: una representación de la vida humana. Nada le divertiría más. Invoca para ello al Mundo, su ayudante de dirección, que se encargará del escenario, las luces, el vestuario, la utilería... Todo está a punto para la entrada y la salida de los intérpretes, las vidas humanas que entrarán a este espacio por la cuna y saldrán por el sepulcro. Los personajes contarán con la ayuda del tenaz y riguroso apuntador, la Ley de Gracia, que se asegurará de que todo vaya acorde al plan, acorde al libreto. Pero en cuanto llegan los personajes, todavía informes, que van a representar este sarao, acompañados por sus instrumentos, pronto queda claro que nada va a salir como se espera.
Tras un reparto de papeles desigual y conflictivo, estas vidas humanas van ejerciendo su libre albedrío y alejándose cada vez más de lo que marca el texto: se vienen demasiado arriba en sus papeles, o se convierten en unas divas, o se pasan la función entera quejándose, o se niegan a decir sus monólogos... Hasta empiezan a meter sus propias morcillas, desesperando así al dilecto apuntador, que solo quiere que se hagan las cosas como Dios manda. La única constante en esta representación es la música, la fiesta y un grupo de personajes (el rey, la hermosura, el rico, el pobre, el labrador y la discreción) intentando resolver cómo quieren interpretar los papeles que les ha tocado representar en la vida y cómo hacerlo de la mejor manera posible, mientras la conciencia de la muerte va estando cada vez más cerca.
El gran sarao del mundo nace del deseo no solo de reivindicar, sino de explorar la relación inherente entre música y texto en la dramaturgia y la puesta en escena del teatro del Siglo de Oro español. En su origen, estas obras, especialmente los autos sacramentales, eran piezas con una fuerte carga musical que acompañaba y hacía avanzar la acción, y que operaba como elemento expresivo junto a la palabra hablada, en verso.
Este proyecto aspira a poner de nuevo en diálogo el texto de Calderón con composiciones musicales de compositores de su época, dentro de un marco escénico y expresivo contemporáneo que prioriza lo comunitario, lo lúdico y lo festivo (el sarao), tal y como entendemos que sucedía en el siglo XVII.
El auto sacramental de El gran teatro del mundo de Calderón sirve como marco para articular una pieza que es más que una obra de teatro musicalizada, y más que un concierto teatralizado: ambos lenguajes conviven y se vuelven inseparables en la experiencia del espectador. No estamos ante músicos que tocan para acompañar, son estos mismos cuerpos en escena los que encarnan los personajes del auto sacramental y cantan, tocan e interpretan. La música no es un paréntesis en la acción dramática, ni un acompañamiento sonoro para construir atmósferas, sino parte de la trama y de la gran fiesta que nos presenta este sarao. Una fiesta lúdica, profunda, gamberra y hermosa. Hemos privilegiado la vertiente más humanista y universal del auto, eliminando la carga litúrgica, para despejar esas preguntas esenciales que Calderón nos propone: ¿Cómo vivimos de la mejor manera posible con el papel que nos ha tocado interpretar en este mundo? ¿Cómo actuamos con el prójimo y con nosotros mismos sin un libreto que nos guíe, con libre albedrío? ¿Cómo nos relacionamos y reconciliamos con el hecho de que hemos llegado aquí sin saber muy bien por qué y para qué, sabiendo que finalmente todas y todos vamos a morir? ¿Y cómo aceptar esta realidad y seguir haciendo de la vida un gran sarao?
El repertorio musical del teatro del Siglo de Oro Español se basaba principalmente en el aprovechamiento de tonadas ya existentes, que se adaptaban según las conveniencias de la trama que se iba a representar.
Dichas tonadas se construían a partir de esquemas rítmicos y armónicos de gran popularidad en la sociedad española, como son la jácara, el villano, la danza del hacha, pasacalle, folías, etc., y se aprendían y transmitían de memoria, lo que explica en buena medida la ausencia de partituras. Sin embargo, se conservan algunos ejemplos musicales que pudieron servir para la creación teatral de la época. Es el caso, por ejemplo, de Luis de Briceño y su Método facilísimo para tañer la guitarra, compuesto por muchos de los sones anteriormente mencionados. La práctica musical en el teatro de la época y los sones de Luis de Briceño y otros compositores contemporáneos de Calderón, como son Francisco Berxes y Juan Hidalgo (destacado por haber trabajado directamente con Calderón en muchas de sus obras), han sido los principales elementos sobre los que se ha elaborado el imaginario musical y sonoro de El gran sarao del mundo. En este sentido, el acercamiento musical destaca por su naturaleza filológica. Al trabajar con fuentes originales, en las que figuran solamente el texto y los acordes que debía tocar la guitarra, el verso ha sido un factor determinante de muchas decisiones musicales, es decir, la pauta del ritmo silábico, muy a menudo nos ha indicado qué tipo de soluciones buscar a nivel musical. Como resultado de este proceso en el que música y teatro se convierten en un sólo elemento, los músicos se acercan del mismo modo al texto musical y al verso del propio Calderón. En escena, la música hace avanzar la trama y participa de la caracterización del desfile de personajes al que asistimos como espectadores.
BALLARTE ENSEMBLE
Ballarte Ensemble nace en 2020 con el objetivo de explorar las posibilidades escénicas de la música barroca y contemporánea a través de su diálogo con otras disciplinas como el teatro, la dramaturgia y la danza. Su plantilla, de carácter interdisciplinar, está conformada por músicos, bailarines, dramaturgos, actores y actrices. En tan solo cuatro años el ensemble cuenta con siete creaciones escénico-musicales originales: El banquete: the musical (2021), La liberación de Francesca Caccini (2021), Sueño-verso (2022), El gran sarao del mundo (2022) Silencio en la sala que el fuego va a hablar (2023), Murmuros (2023), Transhumancias (2024). Sus creaciones se han representado en España y en Suiza y han contado con el apoyo de instituciones como la Embajada de España en Suiza o el Swisslos Fonds Basel Stadt. Ballarte Ensemble ha sido galardonado con el primer premio de Jóvenes Creadores Aragoneses en 2021, en 2022 fue finalista en los premios Rema dentro de la categoría Cross-border Project of the Year y en 2024 fue seleccionado dentro del programa de residencias artísticas europeas EFFEA.
IRENE SERRANO
Actriz licenciada en Interpretación textual por la RESAD y en Comunicación Audiovisual por la UCM, Irene Serrano completa su formación en el Teatro de la Abadía con Jose Luis Gómez, Vicente Fuentes, Ernesto Arias, Lidia Otón, entre otros; y con profesionales como Carles Alfaro, Andrés Lima, Roberta Carreri. Forma parte del elenco de La vida es sueño, dirigida por Declan Donnellan (Cheek by Jowl, La Zona y CNTC). Ha trabajado para el CDN en Supernormales, con dirección de Iñaki Rikarte, y La tumba de María Zambrano; como protagonista para la CNTC en La señora y la criada, dirigida por Miguel del Arco; La vida es sueño, dirigida por Helena Pimenta y El desdén con el desdén, dirigida por Iñaki Rikarte; y en el elenco de La gran Cenobia y En otro reino extraño, dirigida por David Boceta; y El burlador de Sevilla, dirigida por Josep María Mestres. Ha formado parte de la compañía Nao d'amores, de Ana Zamora, en los espectáculos Numancia, Nise, la tragedia de Inés de Castro, Comedia Aquilana y Triunfo de Amor. Es miembro estable de la compañía [los números imaginarios], dirigida por Carlos Tuñón, con la que estrena La última noche de Don Juan (Clásicos en Alcalá), Hijos de Grecia (Festival de Otoño), Lear (desaparecer) (Teatros del Canal) y La vida es sueño (el Auto Sacramental). Ha dirigido para Ballarte Festival La liberación de Francesca Caccini; El gran sarao del mundo (para la que escribió la dramaturgia y fue asesora de verso); y Silencio en la sala que el fuego va a hablar.
LUIS SOROLLA
Dramaturgo, actor, director y productor, Luis Sorolla es fundador de la productora Esto Podría Ser, especializada en la puesta en pie y traducción de textos de dramaturgia contemporánea extranjera y en piezas de creación propia. Es también miembro estable de la compañía [los números imaginarios] (dirigida por Carlos Tuñón) y ha sido dramaturgo residente del CDN y artista asociado del Teatro de la Abadía. Licenciado en Interpretación Textual por la RESAD, completa su formación con profesionales como Lucía Carballal, Pablo Messiez y Ella Hickson entre otros, y en centros como la RADA en Londres, la Sala Beckett de Barcelona o Kosmos in Movement (KiM) en Berlín. Ha escrito y creado piezas como Una puesta en escena de La revolución, Los precursores, El terror, Los muertos vivientes, La vida es sueño: el Auto
Sacramental (estrenada en el Teatro de la Comedia); La gran Cenobia (versión de la obra de Calderón de la Barca para la CNTC); Quijotes y Sanchos; En otro reino extraño, a partir de textos de Lope de Vega (CNTC); Leviatán (auto-obra para un único espectador). Como actor ha trabajado en espectáculos como Oveja perdida ven sobre mis hombros, Play!, El mal de la montaña, Interior: día, Telémaco: el que lucha a distancia, Un roble, Lear (desaparecer), Hijos de Grecia, Un cuerpo en algún lugar. Ha dirigido Huérfanos, Una puesta en escena de La revolución, Los precursores y la pieza (contento) Aquí estás, (indiferente) Aquí estamos, (triste) Aquí estoy. Es docente en la Escuela
Universitaria de Artes TAI y en la ESAD de Valladolid, además de traductor de textos teatrales y dramaturgista tanto para centros de formación como en espectáculos teatrales.
BERTA ARES
Berta Ares (Madrid, 1994) es una violinista y violista especializada en música antigua. Comienza sus estudios de música a los 3 años con la flauta de pico, y más adelante con el violín. Su recorrido académico pasa por el Conservatorio Arturo Soria de Madrid, el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza y la Schola Cantorum Basiliensis de Basel, especializándose en la interpretación históricamente informada del repertorio, desde el Renacimiento al Romanticismo, con la profesora Amandine Beyer. También ha estudiado Fídula e Interpretación Medieval con el profesor Baptiste Romain. Ha participado en numerosos proyectos musicales en España, Suiza, Francia, Italia y Alemania. Ha tocado como solista con la Capriccio Barrockorchester (Suiza), Le Concert Idéal (Francia) y ARTEK (Nueva York). Desde muy temprano combina su interés en la interpretación con el emprendimiento cultural y es co-fundadora del ensemble Acciaccatura (2014-) y del Festival de música de cámara de Monzón (2017-2019). Es creadora junto con Nacho Laguna y Ramón del Buey y ha co-organizado las cinco ediciones de Ballarte Festival, una plataforma creativa por la cual han pasado numerosos artistas escénicos y del cual nace Ballarte Ensemble.
NACHO LAGUNA
Formado en la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza), Nacho Laguna ha trabajado y trabaja regularmente en la labor de continuista con formaciones como Gli Incogniti, Artaserse, Les Musiciens du Louvre, I Gemelli, Le Consort, La Ritirata y artistas como Amandine Beyer, Philippe Jaroussky, Francesco Corti y Théotime Langlois de Swarte entre muchos otros. Ha realizado intensas giras concertísticas en Europa, América, Asia y África en las que destacan, entre otras, salas como el Théâtre des Champs- Elysées, la Opéra Royal de Versailles, la Tokyo Opera City, el Hong Kong City Hall, el Arsenal de Metz, la Angers-Nantes Opéra, el Teatro Real Madrid, el Concertgebouw Amsterdam y el Bozar Bruselas. Ha grabado para sellos discográficos como Harmonia Mundi, Aparte, Näive, Mediaphore Japon y Warner Classics, y en diferentes medios de radio y televisión como la BBC Radio 3, Radio Nacional Clásica, TV France y RTVE entre otros, destacando su último trabajo a solo Ferrarese, premiado recientemente con 5 diapasones por la revista francesa Diapasón. Su interés por la interdisciplinariedad le ha llevado a fundar y organizar Ballarte Festival durante cinco ediciones, fundar Ballarte Ensemble y Acciaccatura Ensemble y a trabajar con artistas dedicados al teatro, la danza y la performance.
LAIA BLASCO
Laia Blasco empieza los estudios de flauta de pico en Valencia, su ciudad natal, con Elisabeth Woltèche. Prosigue sus estudios musicales en el Conservatorio de Münster (Alemania) con Jérôme Minis y Thomas Kügler. Estudia canto barroco en la Scuola Civica di Milano con Sonia Tedla donde obtiene las máximas calificaciones. Colabora con diversos ensembles de música antigua como la Capella de Ministrers, el Ballarte Ensemble, Egeria, Puy de Saint Cyr, Boreas Musica, el Ensemble Kassiani y Claroscvro Teatro. Es miembro fundador del Esemble Ibera Auri. Ha dado conciertos en Alemania, Holanda, Bélgica, Suiza, Francia e Italia. Suele cantar en España en importantes festivales de música antigua como son el Femàs de Sevilla, la Semana de la Música Religiosa de Cuenca, el Early Music Morella, el Teatro de la Zarzuela, FIAS y Ecos festival, entre otros.
GIULIO TANASINI
Tras un Master en Contrabajo en Italia, Giulio Tanasini estudia viola da gamba con Paolo Pandolfo en la Schola Cantorum Basiliensis. Cursa el Master of Arts in Performance en 2019 y el Máster en Interpretación especializada de Música Antigua. Actúa con ambos instrumentos en toda Europa y colabora con conjuntos como Gli Incogniti (Amandine Beyer), Il Pegaso Ensemble (Evangelina Mascardi), Los Elementos (Alberto Rouco) y Musique des Lumierès, con los cuales ha actuado en algunas de las salas más importantes de Europa. Forma parte del trío Acciaccatura, donde explora formas de interpretación musical alternativas al formato clásico de concierto. Colabora con la compositora y cantautora Francesca Gaza como violagambista solista en su conjunto, y desde 2021 con el Maxim Theater (Zürich), donde participó en la obra Die mittelmeer monologe de Michael Ruf. Colabora con el conjunto Le Sommeil, con el que actuó en la temporada musical Freunde Alter Musik Basel y en el Palacio Wilanów de Varsovia. Desarrolla en su carrera en solitario programas como Le città invisibili (Ballarte Festival, Flimsfestival y Altrisuoni, Combin en Musique y Modulazioni). Desde 2023 colabora como programador del Ballarte Festival, y su interés por la música contemporánea le lleva a tocar en 2024 como solista en el concierto Musica reservata del Festival Biennale Música de Venecia.
ARTHUR BALDENSPERGER
Cantante, actor y director de coro establecido en Basilea (Suiza), tras estudiar literatura y artes en París Arthur Baldensperger se diploma en canto barroco y canto medieval en la Schola Cantorum Basiliensis. Como intérprete, se forma con la profesora Cloé Xhauflaire en la École du Jeu en París. En 2020 crea en el teatro de Basilea una pieza con voz y saxofón a partir del texto bíblico del Apocalipsis. Atraído sobre todo por el arte en vivo como medio de expresión, se interesa por la exploración de las posibilidades del texto, la voz y la representación como transmisor de significado.
ANA NICOLÁS DE CABO
Natural de Salamanca, compagina su formación musical con sus estudios universitarios en filosofía. Se especializa en percusión histórica a través del Grado Superior y del Máster de Música en la ESMUC, con Pedro Estevan como profesor, en percusión tradicional de Salamanca con Mara Cañizal y en percusión gallega con Alba Alonso. Actualmente, continúa su formación con Murat Coskum. Ha colaborado como percusionista con Hesperion XXI, Le Concert de Nations, el Collegium 1704, la Camerata Iberia y el Concerto Italiano entre otras. Actualmente forma parte de Ballarte Ensemble, Pretérito Imperfecto, Plebeyos Bailes, Ibera Auri y la compañía de teatro Espurna Teatre.
JAUME GURI BATLLE
Jaume Guri Batlle (Barcelona 1997) estudió violín en Barcelona (ESMUC) con Vera Martínez y en Basilea (Hochschulefür Musik y Schola Cantorum Basiliensis) con Rainer Schmidt, Barbara Doll, Amandine Beyer y Baptiste Romain, desde fídula medieval a violín moderno. Es miembro fundador del "Bärhof Ensemble" y de "il Concerto Intempestivo", y colaborador habitual de grupos como Los Elementos, Teatro dei Cervelli, Das Kolorit y Sestier Armonico, grupos con quien ha grabados varios CDs aclamados por la crítica. En 2018 debutó como solista en l'Auditori de Barcelona y en 2022 con la Kammerorchester Basel. Sus intereses van más allá del formato clásico de conciertos y colabora a menudo en la creación e interpretación de proyectos interdisciplinares con grupos como Mal Pelo o Ball Arte.
