La Sala Cuarta Pared se suma un año más a la programación del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid con el estreno en la capital del montaje Habrás de ir a la guerra que empieza hoy. La obra, un libreto bello e intimista que habla sobre el exilio tras la Guerra Civil española, está firmada y dirigida por Pablo Fidalgo Lareo. El que fuera miembro de La Tristura entre 2004 y 2013 regresa ahora a los escenarios madrileños con una pieza que fue seleccionada en Portugal como la mejor obra de teatro estrenada en el país vecino en 2015. Habrás de ir a la guerra que empieza hoy, protagonizada por el actor luso Cláudio da Silva, podrá verse tres únicas funciones, del jueves 26 al sábado 28 de mayo, a las 21:00 h, en Cuarta Pared.
“A mi querido hermano Manolo, con la añoranza de los años y la distancia”. Esta dedicatoria en un manual de origami titulado Papirozoo, que Pablo Fidalgo Lareo encuentra en una estantería de su casa, es el inicio de Habrás de ir a la guerra que empieza hoy. El inicio de un proceso de reconstrucción de la historia de su familia y de España. El inicio del encuentro con la figura fascinante de su tío abuelo Giordano Lareo: encarcelado durante la Guerra Civil, exiliado tras escapar in extremis de la ejecución y, también, profesor, traductor, tesorero de la República en el exilio, representante de Nestlé en la Patagonia, inventor de un sofá-cama y autor del primer manual de papiroflexia de Argentina. En esta pieza, que es al mismo tiempo un encuentro y un baile final, se dará vida a Giordano Lareo. Argentina, la tierra del exilio, será el lugar donde prepararse para la guerra, donde poner a salvo las ideas, donde educar la mirada para un paisaje infinito que nos acompañará hasta el final.
El autor y director Pablo Fidalgo Lareo es una de las voces más interesantes del teatro contemporáneo de Portugal. Habrás de ir a la guerra que empieza hoy es una biografía escenificada en la que el artista gallego habla sobre el proceso de reconstrucción de la historia, no solo de su familia, sino también de nuestro país, España.
El XXXIII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid afronta su recta final en el mes de mayo acercando a los escenarios madrileños lo mejor de la creación contemporánea europea con el estreno en Madrid de Plexus. La obra es una bella pieza de prestidigitación escénica a caballo entre la danza, el nuevo circo, el teatro visual y el cine, que ha sido ideada a medida por el coreógrafo francés Aurélien Bory para la bailarina japonesa Kaori Ito. El espectáculo, que lleva el sello de la prestigiosa formación gala Compagnie 111, podrá verse en la Sala Verde de los Teatros del Canal tres únicas noches, del jueves 19 al sábado 21 de mayo, a las 20:30 horas.
Aurélien Bory (Colmar, Francia, 1972) es un creador que disfruta sorprendiendo a su público con un arte espectacular que mezcla circo, danza y teatro visual. Ante sus singularísimas puestas en escena, la crítica internacional se cuestiona: “¿Hablamos de teatro, de nuevo circo, de danza, de nuevas tecnologías? De todo tienen sus propuestas, pero de lo que sí podemos hablar es de prestidigitación escénica, de auténtica magia, de ESPECTÁCULO, así, con mayúsculas”. En su última aventura sobre las tablas, Plexus, que ahora se presenta en Madrid, el artista ha creado una pieza a medida para Kaori Ito en busca de repuestas visuales tan poéticas como empíricas.
¿Qué huellas profundas permanecen en la memoria de un cerebro que ha dedicado su vida a la danza? La réplica física de cada músculo se advierte en el cuerpo de un bailarín, en este caso, bailarina, Kaori Ito. La palabra Plexus hace referencia a los mecanismos internos del sistema muscular, los impulsos nerviosos responsables de cada desplazamiento, oscilación o vibración corporal. Como explica el propio Bory: “La manera en que quería retratar a Kaori Ito implicaba principalmente retratar su cuerpo: un estudio de las marcas más profundas que la danza ha ido dejando en él”.
El XXXIII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid presenta el próximo miércoles 20 de abril el estreno absoluto de Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín. Aleluya erótica, acompañada del Retablillo y otros poemas de Federico García Lorca. Se trata de un encargo a medida de la Comunidad de Madrid a la compañía Metatarso en el año del 80 aniversario de la muerte de Lorca. Alberto Conejero ha sido el responsable de la adaptación de la obra, mientras que Darío Facal es su director. La obra podrá verse cuatro únicas noches -los días 20, 21, 23 y 24 de abril- en la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía. Además, el viernes 22, tendrá lugar en el teatro una charla-coloquio con los artistas, con entrada libre hasta completar aforo.
El director madrileño Darío Facal se suma así a la programación del XXXIII Festival de Otoño a Primavera, abordando junto a su compañía Metatarso todo un clásico de nuestras letras, Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, de Federico García Lorca. Y su socio no ha sido otro que uno de los dramaturgos más aplaudidos de nuestra escena, Alberto Conejero, autor de textos como La piedra oscura, Cliff (acantilado) o Todas las noches de un día, que aquí se encarga de versionar la obra. El montaje, coproducido por la Comunidad de Madrid, aborda, bajo un prisma contemporáneo, temas universales como el amor y la traición.
En esta nueva versión del libreto que la compañía Metatarso saca a escena, se interviene el texto original incluyendo fragmentos de El Retablillo de don Cristóbal, además de poemas y otros textos de Lorca, que son introducidos por un personaje especial, el Poeta, interpretado por Peru Saizprez, que generan paralelismos y resonancias sorprendentes que enriquecen el texto dramático y lo convierten en una pieza llena de contrastes, humor y violencia.
El XXXIII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid será testigo del regreso de la compañía La tristura a las tablas madrileñas para presentar el estreno absoluto de su última creación. CINE es una obra de madurez con la que La tristura, una de las formaciones más interesantes y destacadas de la escena contemporánea española de la última década, le da una vuelta de tuerca a su carrera, cuando integrantes Celso Giménez e Itsaso Arana han cumplido ya los 30 años. CINE apela a la valentía, al viaje y al movimiento; a la búsqueda de la identidad a partir de un relato íntimo. La obra podrá verse cuatro únicas funciones, del jueves 7 al domingo 10 de abril, en la Sala Verde de los Teatros del Canal.
“Imaginamos a un hombre joven, que durante años no se ha decidido a emprender un viaje. Quizás por miedo, quizás por incapacidad, quizás porque nunca encontró el momento. En ese viaje tratará de encontrar respuestas sobre su identidad. Identidad de la que no queda rastro desde que nació, a finales de los años 70, en España. Ahora, cuando empieza la road movie, va a comenzar su búsqueda. Durante este viaje se encontrará con situaciones que le irán revelando su propia historia y la de su país”. Así introduce La tristura su última creación, CINE.
La formación, de quien la crítica ha escrito elogios como “singularidad, inconformismo, nostalgia, esperanza, libertad creativa son sólo unas pocas palabras que asociar a una compañía que abrió un camino propio y único” o “tiene las imágenes más bellas y las textos más crudos”, regresa a los escenarios en el marco del XXXIII Festival de Otoño a Primavera con una obra que los artistas reconocen casi como “una ópera prima”, el punto de partida de su madurez tras más de una década subidos sobre las tablas.
El XXXIII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid continúa su andadura en Semana Santa con el estreno absoluto de la última creación de la compañía La Phármaco, Kaspar Hauser. El huérfano de Europa. El montaje es un solo de danza contemporánea que está interpretado y coreografiado por Luz Arcas, Premio Ojo Crítico de Danza 2015 y una de las figuras con más proyección de la escena dancística española de los últimos tiempos.
“Mirarlo todo con los ojos de quien no esperaba ni necesitaba el mundo”. Así introduce La Phármaco el leit motiv de su nueva creación, que ahonda en los misterios del controvertido personaje que le da título a su obra, Kaspar Hauser, conocido como “el huérfano de Europa”. La pieza es un espectáculo físico que dialoga con la Historia para reflejar nuestra época, bailando, como la propia formación afirma, “la naturaleza poética y salvaje de lo humano”.
Desde su nacimiento en 2009, La Phármaco, con Luz Arcas al frente, se ha propuesto recuperar el concepto clásico de ceremonia escénica: el espectáculo total, donde los elementos expresivos se reúnen y se afinan en una misma tonalidad, comprometida con el mensaje. La Phármaco parte de la premisa de que la danza es un arte culto, que dialoga con las voces fundamentales de nuestra Historia, y encuentra en los clásicos de la literatura universal un espejo apropiado para reflejar nuestra época, al tiempo que reivindica la ceremonia escénica como mecanismo necesario, social y humanista.
Entre las creaciones de la compañía destacan El libro de los venenos (2009, Premio Injuve y Málaga Crea 2009), El monstruo de las dos espaldas (2010), Antes fue siempre fuego (2012), Sed erosiona (2012), Éxodo: primer día (2013, nominada a los Premios MAX y a los Premios del Teatro Andaluz por Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Femenina de Danza y seleccionada para el catálogo del AECID 2015) y La voz de nunca (2014, coproducida por la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y ganadora del Premio a la Mejor Intérprete Femenina de Danza en los Premios del Teatro Andaluz en 2015).
“Quiero accionar mi cuerpo, el tiempo y el espacio que me rodea, compartir sensaciones, iniciar un camino a través de mis experiencias y mis necesidades de expresión, donde la acción, la entrega, el compromiso y la responsabilidad serán imprescindibles para llevar a cabo este trabajo”. Así introduce Janet Novás su última creación, Si pudiera hablar de esto no haría esto , cuyo estreno absoluto tendrá lugar en el Teatro Pradillo en febrero de 2016 dentro de la programación del XXXIII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid.
Novás es una de las figuras más destacadas de la danza contemporánea española de los últimos tiempos. Con sus creaciones, de tinte experimental, ha sabido crear un lenguaje propio, empleando el cuerpo como herramienta y dotando sus montajes de un fuerte contenido emocional, que sirve de contrapeso a la estudiada sencillez estética de sus puestas en escena. Como la ha definido la prensa especializada: “Esta futura promesa de la danza española deleitó a los espectadores con pequeñas historias, que sin un argumento específico, llegaban a lo más íntimo de cada uno de los presentes”.
El XXXIII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid despide el año 2015 con el estreno en España de Golem, la última creación de la compañía británica de vanguardia 1927. La obra, que aúna sobre las tablas la animación artesanal, el stop motion, la música en vivo y unas magníficas interpretaciones, podrá verse en la Sala Roja de los Teatros del Canal cuatro únicas funciones, del 9 al 12 de diciembre, a las 20 horas.
1927 es una de las formaciones emergentes más imprescindibles de la escena contemporánea europea, especializada en crear un teatro fílmico mágico, que ya pudo verse en Madrid con The Animals and Children Took to the Streets, una de las grandes revelaciones del Festival de Otoño a Primavera en 2013. Esta temporada, 1927 visita España por partida doble: además del estreno de Golem la próxima semana en los Teatros del Canal de la mano del festival, el Teatro Real acogerá en enero su puesta en escena de la ópera La flauta mágica.
Ambientada en un mundo futurista, donde la tecnología ha evolucionado para trascender los límites del control humano, Golem es una innovadora y original creación que explora de forma inusitada al hombre y sus máquinas. Con la estética de una novela gráfica de gigantes proporciones, la troupe británica invita al público a adentrase en el cuento oscuro y fantástico de un extraordinario hombre ordinario. 1927 acerca al XXXIII Festival de Otoño a Primavera una fábula “divertida e inolvidable”, como ha elogiado The Times, que explora de forma satírica e inteligente una de las grandes cuestiones del mundo moderno: ¿quién o qué tiene el control sobre nuestras tecnologías?
“Julio. Ni una gota de viento. Condensación de aire caliente, 600 metros por encima del nivel del mar. El sonido estridente y monótono de la chicharra. La Meseta Central, hirviendo. Estamos en el jardín de un casón solariego venido a menos, en plena llanura castellana. Un jardín descuidado, cubierto de maleza. En él, los personajes (los miembros de una familia y la sirvienta rumana) toman el sol, se adormecen. Pasan el tiempo. Parece que todo lo importante pasó hace tiempo”. Así se presenta la nueva pieza de Pablo Remón, el gran guionista de cine nominado al Goya en 2015 por su cortometraje Todo un futuro juntos y que se ha atrevido a dar también el salto a los escenarios.
Cómo seguir contando historias a estas alturas? ¿Tiene sentido seguir narrando, seguir narrándonos? ¿Cómo influye la Historia reciente de un país en nuestras historias con minúscula? ¿Qué ficciones tiene sentido seguir representando, y dónde, y de qué manera? Estas preguntas están en el origen de 40 AÑOS DE PAZ, una obra construida sobre el deseo y la diversión de contar historias. La necesidad de contarnos, de seguir ficcionando, para sacar a la luz lo que somos y lo que podríamos ser.
El espectáculo pretende ser cuatro obras en una: cuatro obras que recorren 40 años de la vida de nuestro país, a través de una familia. Cuatro protagonistas. Cuatro narradores. Los personajes son protagonistas de su propia historia, al tiempo que son secundarios o narradores en otras, formando una rueda en la que unos se van pasando el testigo a otros. “Narramos mientras somos narrados”, según la frase de Borges. Esos 40 AÑOS DE PAZ del título representan cosas distintas para cada uno de los personajes que dan sentido a la obra: para Natalia, son los años que va a cumplir, sin haber tenido un hijo antes como se había prometido. Para Ricardo, su hermano, 40 son los millones que debe su empresa. Y así con todos. Cuarenta es un número que sobrevuela la cabeza de todos los miembros de la familia.
© Josep Aznar
Los Teatros del Canal acogen esta semana la esperada puesta en escena de La clausura del amor, la exitosa obra del dramaturgo y director francés Pascal Rambert, que el Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid no solo programa, sino también coproduce de la mano del Festival GREC de Barcelona.
Y uno de sus grandes atractivos, además de la belleza de un texto que ha arrasado en todos los festivales y teatros internacionales donde se ha presentado hasta la fecha, son los intérpretes elegidos para su versión española: Bárbara Lennie e Israel Elejalde. Ambos se ponen a las órdenes de Rambert para montar una obra que el crítico de El País Marcos Ordóñez calificó tras su estreno absoluto en Barcelona el pasado verano como “durísima, feroz, apasionante, extenuante”, además de elogiar unas interpretaciónes que, en sus propias palabras, “solo pueden calificarse de sísmicas”.
Miedo y liberación se mezclan en la desgarradora charla de la pareja que vemos sobre las tablas. Ante nuestro ojos se desgrana un combate devastador y sin piedad entre un hombre y una mujer, que mantiene la intensidad hasta las últimas frases del libreto. ¿Qué es lo que amamos cuando amamos? ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor? Quienes hayan sido previsores y tengas sus butacas reservadas a buen recaudo (ya que las entradas para las únicas cinco funciones que se podrán disfrutar de la obra en Madrid se agotaron ya en el mes de septiembre), quizás puedan descubrirlo.
El XXXIII Festival de Otoño a Primavera dará comienzo el próximo jueves 15 de octubre con el estreno en España de JOHN, de la compañía británica DV8 Physical Theatre. La pieza, una absorbente creación de danza-teatro, podrá verse tres únicas noches, hasta el sábado 17, en la Sala Roja de los Teatros del Canal. Ya en noviembre, la programación continuará con dos nuevos estrenos, La clausura del amor, con Bárbara Lennie e Israel Elejalde, una de las obras más esperadas en los escenarios madrileños esta temporada, y 40 AÑOS DE PAZ, la última aventura del autor y director Pablo Remón. Por su parte, la formación británica 1927 aterrizará en la Sala Roja de los Teatros del Canal en el mes del diciembre con Golem, haciendo gala de ese teatro fílmico mágico que ya enamoró al público madrileño hace dos años con el estreno en el festival de The Animals and Children Took to the Streets. Muy pronto conoceremos el resto de propuestas que, hasta junio de 2016, compondrán el programa de esta 33ª edición del Festival de Otoño a Primavera.