17.00 h
SALA VERDE
Sueño Lorca o El sueño de las manzanas
Género | Teatro
Dirección y dramaturgia | María Caudevilla
Intérpretes | Sara Campbell, Luis Escudero, José Manjón, Ana Mª Montero y Roberto Yagüe
Coreografías | Federico Martín Barrios, Pablo Esbert Lilienfeld y Miguel Moya
Producción | Baraka Teatro / Emily Kate Lewis
Producción y asistencia ensayos | Francisco García Muñoz
Ayudante de producción | Karen Owens
Escenografía | María Caudevilla
Vestuario | Ludy Ruiz
Iluminación y sonido | Flavia Mayans y José Mora
Duración | 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
Montaje de la compañía madrileña Baraka Teatro, Sueño Lorca o El sueño de las manzanas es una obra basada en el Lorca menos conocido, el de los textos surrealistas, las piezas inacabadas, las entrevistas. Fue nominado a tres Premios Max en 2010, año de su estreno. Pero más que aspirar a estos premios, probablemente su principal aval sea el apadrinamiento del hispanista Ian Gibson, el mayor conocedor de la biografía lorquiana, que dijo: “Esta obra es tan estupenda, el trabajo de los actores, todos ellos, tan extraordinario, la dirección tan esmerada, que nos hace vivir Lorca casi casi desde dentro. A mí me ha afectado mucho, me ha hecho reír y llorar, me ha producido rabia, y con su frescura y su vitalidad me ha forzado a volver a los textos originales. Me ha enseñado mucho”.
Baraka Teatro recupera este montaje cuando cumplen 10 años como compañía, un viaje poético por la vida y obra de Federico. Un collage escénico que entremezcla la realidad del poeta con diálogos, poemas, canciones de creación propia y la ficción de los sueños. La infancia, la adolescencia, los viajes, la corta madurez y la muerte se mezclan sin nociones aristotélicas de acción, tiempo o espacio, como en un sueño. Un mundo de amor por la vida y por la libertad. La misma libertad que le ayudaría a ignorar el profundo cerco que silenciosamente se estrechaba en torno a su figura.
El niño Lorca juega al desierto con Dalí en una residencia de estudiantes. Una mujer pasea por la quinta avenida neoyorkina mientras las manzanas se lamentan de su suerte. Un mundo de contrastes, de vida y muerte, donde el miedo a lo diferente toma distintas caras. Una niña gitana mal pintada con zapatos de tacón que pasea entre Corrientes y el Albaicín. Un mundo de leyendas, de calor humano, de olor a tierra, de quejíos y pastores, de soledad y bichos. Un milagro sobre un escenario, con dirección y dramaturgia de María Caudevilla.
19.00 h
SALA ROJA
Así que pasen cinco años
Género | Teatro
Dirección y dramaturgia | María Caudevilla
Intérpretes | Carmen Gallardo: Criada. Elena Amada Aliaga: Novia / Niño muerto / Otras máscaras. Jerónimo Arenal: Criado / Padre de la novia / Arlequín I. José Ángel Moreno: Amigo II / Arlequín II / Jugador de cartas. Manuel Asensio: Viejo / Otras máscaras / Jugador de cartas. María Sanz: Mecanógrafa / Gata muerta / Otras máscaras. Raúl Sirio Iniesta: Joven. Raúl Vera: Amigo I / Jugador de rugby / Payaso / Jugador de cartas. Silvia Garzón: Maniquí / Muchacha
Espacio escénico | Ricardo Iniesta
Vestuario | Carmen Giles
Iluminación | Miguel Ángel Camacho
Música | Luis Navarro
Coreografía | Juana Casado
Dirección y seguimiento coral | Esperanza Abad y Marga Reyes
Maquillaje, peluquería y estilismo | Manolo Cortés / Ayudante de dirección: Sario Téllez
Realización escenografía | Pepe Távora / Realización utilería y atrezo: Sergio Bellido
Producción | Centro Dramático Nacional y Atalaya TNT
Duración | 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
En 2016 la compañía sevillana Atalaya, con Ricardo Iniesta al frente, celebraba los 30 años del montaje que les puso en el mapa, literalmente. Con aquella impresionante puesta en escena de Así que pasen cinco años recorrieron 30 provincias españolas con más de 130 funciones. Y para celebrarlo volvieron a montar una de las consideradas obras imposibles de Lorca. No solo la hicieron posible entonces, sino que ahora la revisan de nuevo haciendo válido lo que el propio Lorca dijo, que era una obra que se entendería muchas décadas después de escribirse.
“No es que tenga un lenguaje críptico”, dice Iniesta, “sino que tiene un poder hipnótico tremendo. Hay escenas que te sumergen en una cuarta dimensión”. Una dimensión mágica y hasta premonitoria. Fechada en agosto de 1931, justo cinco años antes de su muerte, “en la obra se habla de un pozo donde cayeron todos, un pozo donde fue arrojado su cuerpo, que todavía no ha sido encontrado”. No en vano, Lorca la subtituló La leyenda del tiempo (que luego serviría para titular el disco de Camarón que rompió todos los moldes del flamenco).
Con el estilo expresionista habitual de Atalaya (Premio Nacional de Teatro en 2008) y un cierto aire circense por momentos, este nuevo montaje de Así que pasen cinco años abunda en la matriz metafórica de la pieza, donde aunque se parte de la historia de un joven enamorado que le cuenta a un viejo que por causas imposibles de explicar se casará con su amada pasados cinco años, los personajes son alegorías, símbolos de apetencias, ideas, sensaciones, de vivencias subconscientes. Si en el montaje del 86 se reflejaba en la España próspera y esperanzada del momento, “30 años después España es un país tenebroso, oscuro, gobernado por corruptos”, por lo que esta nueva tentativa, apunta Iniesta, es “más oscura, cruel y terrorífica”.
21.00 h
SALA VERDE
Esto no es La casa de Bernarda Alba
Género | Teatro
Texto | Federico García Lorca y José Manuel Mora
Dirección | Carlota Ferrer
Coreografía | Carlota Ferrer & Cía.
Intérpretes | Eusebio Poncela, José Luis Torrijo, Cristóbal Suárez, Jaime Lorente, Carlos del Olmo, David Luque, Julia de Castro, Guillermo Weickert, Arturo Parrilla y Alberto Velasco
Dramaturgia | José Manuel Mora y Carlota Ferrer
Escenografía | Carlota Ferrer y Miguel Delgado
Vestuario | Ana López Cobos
Utilería | Miguel Delgado
Asesoría de movimiento | Ana Erdozain
Iluminación | David Picazo
Audiovisuales | Jaime Dezcallar
Diseño de sonido | Sandra Vicente
Producción | Fernando Valero y Gema R. Lirola
Ayudantía de dirección | Enrique Sastre / Asistencia a la dirección: Mikel Babón /
Ayudantía de vestuario | Christiana Ioannidou / Ayudantía de iluminación: Cristina Libertad
Equipo técnico | Realización de escenografía: Mambo Decorados / Realización Archimboldo: Betto
García / Realización de vestuario: Sandra Calderón / Vestuario de Julia de Castro:
Carmen March / Ambientación de vestuario: María Calderón / Coordinación técnica:
Gema R. Lirola y José Espigares / Técnico de sonido: Enrique Chueca / Sastrería:
Felicita Mora
Distribución | Clara Perez (clarape90@hotmail.com)
Duración | 2 horas (sin intermedio)
Lo mataron, sí, y pronto hará 82 años de aquello, pero Lorca sigue en boca de todos, vivo y moderno como el más vivo y el más moderno de los artistas españoles. Su teatro nos interpela, ayer, hoy y siempre, porque, en su dimensión profética, nos advierte de que la pistola del autoritarismo está siempre cargada y apuntando hacia la libertad. La casa de Bernarda Alba está escrita, mediado 1936, al borde del abismo que él presiente.
“Bernarda, auténtico varón con faldas -escribió Miguel García Posada- encarna el más secular autoritarismo hispánico, que lo domina todo y todo lo controla”.
Pero esta versión que firman Carlota Ferrer y José Manuel Mora, esto, Esto no es La casa de Bernarda Alba. Es una tentativa de creación libre sobre la obra de Lorca, lorquiana en sí misma porque sigue la filosofía artística del poeta, que preconizaba vía libre para la imaginación: “Que la poesía se levante en el escenario sin límites de ningún tipo”, como señala Ferrer. Su propuesta parte de que lo que vemos al comenzar la función es la sala de un museo, una sala blanca sin mácula, en la que una serie de artistas, hombres casi todos, exhiben la obra de Lorca a base de instalaciones plásticas y escenas performativas, donde la palabra escrita por el autor convive con la poesía, la música y la danza.
En esta versión masculina del clásico, Eusebio Poncela asume el papel del varón con faldas que mantiene a su prole sumida en un mar de luto. “Buscamos con esto un discurso feminista radical; al poner en boca de hombres las palabras de Federico, que en numerosas ocasiones son vertidas por mujeres que manifiestan el deseo de ser hombres para poder gozar de libertad, ponemos en evidencia la fragilidad de la mujer ante la visión dominante del orden heteropatriarcal y su gestión del mundo a través del miedo”.
17.00 h
ESTUDIO 1
Amor oscuro [sonetos]
Género | Poesía y teatro
Un espectáculo escrito y dirigido por Jesús Arbués sobre los Sonetos del amor oscuro, de Federico García Lorca
Interpretación | Javier García
Escenografía e iluminación | Josema Hernández de la Torre (concepto de Jesús Arbués)
Diseño mapping | Óscar Lasaosa
Animación vídeo | Manuel Avellanas
Música | “Ay, voz secreta del amor oscuro” (Pitrón Giménez, interpretación; Nano Giménez, piano) /
“Soneto gongorino” (Laura de la Fuente, interpretación; música de Amancio Prada)
Técnico en gira | Josema Hernández de la Torre
Una producción de | Viridiana Centro de Producción Teatral
Producción | Mónica Macías
Administración | Lumi Jiménez
Distribución | Pilar Royo
Agradecimientos a | Carpintería Castelar, Juan Antonio López (Chapi), Fernando Martínez (Títeres sin cabeza), Rampa Sonido e Iluminación
Agradecimiento especial a | Carlos Gil Zamora (Artez)
Duración | 55 minutos (sin intermedio)
“Esta es la historia de los versos desaparecidos de un poeta desaparecido. Esta es una historia de miedo y de silencio”. Arranca con estas palabras un montaje muy singular, que no es obra de teatro ni recital, que es más una experiencia compartida a partir de aquellos Sonetos del amor oscuro de Lorca que permanecieron ocultos durante 50 años, pues se publicaron por primera vez, en una edición clandestina, en 1983. Esta es, pues, la historia de una ocultación, de una sustracción, de una vergüenza más en torno al poeta.
Lorca amó y sufrió por amor como nadie. “Federico, ¡qué corazón!”, exclamaba Vicente Aleixandre en 1937, “Cuántos habrá que sepan, que aprendan y conozcan la extraordinaria hondura y la capacidad sin par del corazón de su poeta”. Los once sonetos se conservan hoy en cartas con membrete del Hotel Victoria de Valencia, donde al parecer inició Lorca la serie en 1935, esperando impaciente la llegada desde Madrid de su íntimo amigo Rafael Rodríguez Rapún. Lorca sufría, como señaló Ian Gibson, por la “actividad heterosexual” de su amante, y que no se presentara en Valencia “se le aparecía como expresión de abandono”. Los versos supuran la angustia del momento.
Escrito y dirigido por Jesús Arbués y protagonizado por Javier García, el espectáculo tiene los once sonetos como base, once poemas y una vida, pero va más allá. Es una historia a través de once personajes que abordan el amor extremo y desbordado y que dejan entrever interiores, habitaciones a medio iluminar, sentimientos a medio decir. Cada soneto sugiere un estado al actor y su puesta en escena deja datos también sobre por qué y cómo se escribieron, sobre por qué y cómo se ocultaron. Arbués se apoya en un interesante trabajo de vídeo mapping y en la música de Pitrón Jiménez, que interpreta “Ay, voz secreta del amor oscuro” o la de Laura de la Fuente que hace lo propio con el “Soneto gongorino”, con música de Amancio Prada.
18.30 h
VESTÍBULO - 2 SALA VERDE
Yerma
Género | Teatro
Intérpretes | Alba José: Yerma. Martí Salvat: Juan. Xavier Torra: Víctor. Rosa Serra: María. Isabel Soriano: Vieja. Roser Tàpias: Muchacha. Cristina López: Muchacha.
Autor | Federico García Lorca
Adaptación | Marc Chornet y Anna Maria Ricart
Dirección | Marc Chornet
Ayudante de dirección | Anna Maria Ricart
Diseño del espacio | Laura Clos ‘Closca’
Diseño del vestuario y caracterización | Marta Rafa
Diseño de iluminación | David Bofarull
Música original y asesoría de movimiento | Miquel G. Font
Distribución | Susana Rubio (Nuevos Planes)
Duración | 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
Entre Yerma y su marido se instala la carcoma, porque aunque lo desea con todas sus fuerzas, Yerma no logra quedarse embarazada. Pasa la vida, cada vez más ahogada en tristeza, se mira marchar la juventud, las amistades son sombras borrosas y la casa de una se torna cárcel. Lorca hizo el retrato más crudo de las tragedias íntimas, las de puertas adentro, las calladas. Ahora Teatre Akadèmia y Projecte Ingenu afrontan una escenificación contemporánea partiendo de una reflexión sobre la fecundidad en nuestros tiempos.
Yerma se convierte en un espejo ideal para dialogar y cuestionarnos el sentido de nuestro presente. Cuando esto sucede, decimos que estamos ante un clásico, porque un clásico solo es un clásico si al traerlo a nuestros días nos interpela directo con su vigencia eterna. Projecte Ingenu, con el director Marc Chornet al frente, es un colectivo de jóvenes artistas escénicos que, desde su juventud y desde su tiempo, se enfrentaban al Lorca incómodo de Yerma. Si Yerma era un clásico, “teníamos que ser capaces de imaginarla andando entre nosotros, respondiendo con sus palabras nuestras dudas, miedos…”, comenta Chornet.
Ese acercamiento desde los sentimientos y las sensaciones de los jóvenes de hoy a una historia tan aparentemente de ayer es fecundo aunque se trate de hablar de la permanente inquietud que lo gobierna todo. Poco a poco, sintieron a Yerma tan próxima como para contarla desde el interior. “Una Yerma que tiene nuestra edad, que lucha por nuestras mismas ilusiones, día a día. Ella nos hizo plantearnos una duda muy grande, enorme: ¿estamos nosotros secos? ¿Está seco el mundo donde vivimos? ¿Existe aún una remota posibilidad de convertir en fecundo nuestro tiempo y nuestros sitios?”. Ahí queda la pregunta…
20.30 h
SALA VERDE
Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín.
Aleluya erótica acompañada del Retablillo y otros poemas de Federico García Lorca
Género | Teatro
Intérpretes | Emilio Gavira: Don Perlimplín. Lucía Diez: Belisa. Berta Ojea: Marcolfa. Cristina Otero: La Madre. Peru Saizprez: El Poeta.
Autor | Federico García Lorca
Versión | Alberto Conejero
Espacio escénico | María de Prado
Diseño de iluminación | Manolo Ramírez
Diseño de vestuario | Ana López Cobos
Ayudante de vestuario | Paola de Diego
Música | Room 603
Ilustrador | Javier García Herrero
Jefe técnico | Álvaro Delgado
Ayudante de dirección | Javier L. Patiño
Regiduría y dirección de producción | Cristina Otero
Dirección | Darío Facal
Una coproducción de | Metatarso y Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid
Duración | 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
“Alcanzar la perversa y esquiva frontera en la que confluyen la risa y la pesadilla”.
Ese fue el objetivo primordial de Darío Facal y su compañía, Metatarso, al enfrentar este texto de Federico García Lorca, una de sus obras más excepcionales y menos representadas, aderezada para la ocasión con fragmentos del Retablillo de don Cristóbal y algunos otros poemas y textos del autor granadino ensamblados gracias a una meticulosa versión firmada por Alberto Conejero, el dramaturgo español actual que mejor se entiende con el legado lorquiano.
Obra maestra de la farsa que culmina en tragedia, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín mezcla lo lírico y lo grotesco. Don Perlimplín es un hombre de avanzada edad -aquí encarnado por el siempre estupendo Emilio Gavira- orgulloso de haber permanecido soltero toda su vida. Su criada Marcolfa (Berta Ojea) le convence para que se case con su vecina Belisa (Olivia Delcán), una joven adolescente a quien su madre entrega a la fuerza y sin el menor reparo. Pero en la noche de bodas, Belisa se enamora de otro hombre cuando Perlimplín ya le había declarado su amor… “amor, que estoy herido, herido de amor huido, herido, muerto de amor”.
Lorca creó con esta obra “un extraño sortilegio”, en palabras de Alberto Conejero, que “habla del cuerpo como clausura del amor”. Escrita entre 1922 y 1926, es una pieza cargada de aparente ingenuidad que a medida que avanza hace aflorar una perturbadora profundidad. “Es un equilibrio perfecto entre el patetismo y la tragedia, entre el amor y la sexualidad, la delicadeza y la brutalidad”, asegura el director Darío Facal, que concibe su montaje con mimbres de vanguardia para hacerlo lo más contemporáneo posible.
22.00 h
SALA ROJA
Rango
Género | Danza flamenca
Intérpretes | Bailarinas: Virginia Murcia, Irene Chavarría, Noelia Fernández, María Gayubo, Elena Palomares y Ana Agraz. /
Guitarrista: Miguel Linares. / Cantaor: Cunco González. / Recitado: Carmen Salinas
Coreografía | Rafael Aguilar
Dirección artística | Francisco Guerrero
Vestuario y decorado | Rafael y Manuela Aguilar
Dirección técnica | Stephan Alcaraz
Dirección ejecutiva | Jacinta Aguilar y Carmen Salinas
Duración | 40 minutos (sin intermedio)
En 1966, los herederos de Federico García Lorca le negaron al bailaor y coreógrafo Rafael Aguilar (Quito, 1929-Madrid, 1995) la posibilidad de adaptar para su compañía, fundada en 1962, La casa de Bernarda Alba, quizá porque no veían en aquel entonces la fuerza que el baile podía otorgar a la dramaturgia del poeta granadino. Pero Aguilar no se rindió y montó su versión titulándola Rango. Un nombre potente que hace referencia a lo que más importa a Bernarda, la despótica madre viuda, preocupada por mantener el rango social de su difunto marido en aquel pueblo de la España profunda.
Fuertemente teatral y tremendamente dramática, la coreografía mantiene el luto y la sobriedad, y casi sin recurrir a la música deja que el zapateado de las hijas oprimidas retumbe como martillazos por toda la platea. Rango no es solamente una de las obras más emblemáticas de Rafael Aguilar sino también la quintaesencia de su lenguaje. Creía en el poder de comunicación de la danza y le gustaba narrar historias con ella, tal vez porque sus orígenes fueron en el ballet antes de caer subyugado por el flamenco.
Un flamenco que abordó con libertad y sin complejos en los años sesenta, cuando nadie hablaba de Nuevo Flamenco. El montaje, cómo no, impactó muchísimo a un joven Antonio Gades que, deslumbrado, quiso hacerse con el rol de Bernarda, papel que bailó en ocasiones.
En 1995, justo el día del estreno en el Teatro de Madrid de su nuevo espectáculo Aires de ida y vuelta, murió Rafael Aguilar de un infarto repentino. Su hija Jacinta Aguilar ha mantenido activa a la agrupación y desde 2002 cuenta con la dirección artística de Francisco Guerrero, que se ha propuesto mantener y difundir el legado de Aguilar, manteniendo activas, además de Rango, Carmen, Bolero y otro título lorquiano, su versión de Yerma. De importancia indiscutible (en esa compañía han bailado luminarias como Joaquín Cortés, Antonio Canales, Lola Greco, Aída Gómez, Eva Yerbabuena o Antonio Márquez), la agrupación mantiene giras constantes por el mundo, siendo especialmente acogidos en Francia y países asiáticos. En España se les ve poco, por lo que la ocasión parece propicia para acercarse al legado de Aguilar con una obra especialmente lograda de su catálogo.
23.00 h
Estudio 1 del CDC
A vueltas con Lorca
Género | Poesía y música
Intérprete | Carmelo Gómez
Música | Gorka Pastor
Dirección | Emi Ekai
Duración | 1 hora (sin intermedio)
No hay instrumento musical más hermano de la poesía que el piano, lírico armatoste delicado cuyas teclas tocó y acompañó el propio Lorca. Y el piano y el verso son la única línea argumental de este espectáculo diáfano que se han sacado de la chistera el actor Carmelo Gómez, el músico Gorka Pastor y la directora Emi Ecay, un sueño de una noche de verano. No en vano, se alumbró al aire libre en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander el estío pasado. Porque se puede soñar aún, se puede.
No hay una estructura cerrada, porque es un juego y un cónclave al que están llamados otros poetas: Lope, Neruda, Cervantes, Machado… Hay intención en dejar que la noche sea misterio, que el actor, Carmelo, concite en sus voces las voces de Bernarda, de Yerma, del Romancero gitano, del Diván de Tamarit, de Poeta en Nueva York y hasta de El caballero de Olmedo, que es un traje que siempre está dispuesto. Y Poema del cante jondo, y Bodas de sangre, Poncia, Adela, Magdalena. Todos y todas tienen su hueco.
“Lo personal del poeta granadino -dicen los tres implicados en el suceso-, esa forma de entender los versos desde la libertad, el sonambulismo, el simbolismo y la abstracción pura del surrealismo”. Quieren compactar, ensamblar, aglutinar palabras y dedos sonando a impulsos de memoria y fuego. “Las piezas elegidas pretenden dar profundidad y color a las imágenes evocadoras del poeta. Para ello se ha recurrido a compositores como Joaquín Turina, Ernesto Halffter, Enrique Granados o Claude Debussy”. Y el espíritu de Federico, que antes que nada fue pianista, se estremecerá y respirará de nuevo en cada quiebro.
13.00 h
SALA VERDE
Lorca, la correspondencia personal
Género | Teatro
Intérpretes | Gema Matarranz y Alejandro Vera
Autor | Federico García Lorca
Dramaturgia y dirección | Juan Carlos Rubio
Espacio escénico | Estudiodedos: Curt Allen Wilmer (AAPEE) y Leticia Gañán
Construcción de escenografía y atrezo | Álvaro Gómez Candela
Ayudantía de dirección | Luis Miguel Serrano Martín
Música original y espacio sonoro | Miguel Linares
Diseño de iluminación | Juan Felipe Tomatierra
Ayudantía técnica | Ángel Moreno Casado
Comunicación | Alexis Fernández
Vestuario | Histrión Teatro
Vídeo | PabloMaBe
Dirección de producción | Histrión Teatro S.L.
Producción ejecutiva | Nines Carrascal y Sonia Espinosa
Duración | 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
Juan Carlos Rubio es el dramaturgo y director de este recorrido poético, alegre y triste, vital y desesperado, amargo y dulce, por las cartas que Lorca envió a sus seres queridos.
Esas cartas son motivo e hilo conductor del espectáculo, donde el poeta se desdobla en hombre y mujer como reflejo de una dualidad que siempre le hirvió dentro. Las cartas, en palabras de Rubio, son un material que une “su faceta profesional con la personal”.
Cartas burlonas, irónicas, surrealistas y cartas de un realismo hiriente y fascinante. Dos actores, Gema Matarranz y Alejandro Vera, son los vehículos de carne y voz para la narración, un bucle de teatro dentro del teatro tan querido al propio Federico, una realidad que nace y se multiplica para acabar en el mismo lugar, la sangre, la tragedia. La compañía granadina Histrión Teatro cuaja aquí un homenaje sin fisuras a su paisano, un homenaje premiado con el galardón a Mejor Espectáculo en la Feria de Teatro del Sur de 2017. Ellos nos muestran a los mil Federicos que esconden sus palabras, archivo de sí mismo, como refleja la escenografía que firman Curt Allen Wilmer y Leticia Gañán.
“¿Por qué hemos de ir siempre al teatro para ver lo que pasa y no lo que nos pasa?”, escribió Lorca en su Comedia sin título. Su intención de reinventar el viejo arte escénico quedó en suspenso y en suspenso empieza este espectáculo, ochenta años después, una hora antes de la muerte del poeta en el barranco de Víznar. Los actores entran por el patio de butacas y comienza el monólogo dual, sinfonía a dos voces de estados de ánimo y preguntas al aire que seguirán buscando respuestas por los siglos de los siglos.
17.00 h
ESTUDIO 1
Leyendo Lorca
Género | Poesía
Dirección e interpretación | Irene Escolar
Producción y distribución | Buxman Producciones
Con el apoyo de | El Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid
Agradecimientos | Universidad Internacional Menéndez Pelayo, Sybilla, Marta Alonso, Manolo Llanes, El Pavón Teatro Kamikaze, Jordi Buxó, Festival de Otoño a Primavera, Carlos Aladro, Laura García Lorca, Fundación Federico García Lorca, Àlex Rigola, Nao Albet, Lluís Pasqual y Teatro de La Abadía (por el uso de la canción “El pastor bobo”, perteneciente al montaje El público, dirigido por Àlex Rigola).
Duración | 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
Programa
Extracto sobre la conferencia de Poeta en Nueva York.
Extractos de escenas de:
La Novia y la Madre, de Bodas de sangre
Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores.
Yerma
Julieta y el Caballo Blanco, de El público
“Canción del pastor bobo”, por Nao Albet
“Si mis manos pudieran”, “El poeta pide a su amor que le escriba”, “Noche del amor
insomne”, “Soneto de la dulce queja”, de Sonetos del amor oscuro
“Grito hacia Roma”, de Poeta en Nueva York
Extractos de la Biografía de Federico García Lorca, de Ian Gibson
“Gacela de la Muerte Oscura”, de Diván del Tamarit
Extracto de la Madre de Gonzalo, de El público
Acababa de protagonizar El público, montaje dirigido por Àlex Rigola, e Irene Escolar recibió una llamada y una propuesta irrechazable. La Universidad Internacional Menéndez Pelayo le proponía realizar un homenaje a Lorca en el 80 aniversario de su asesinato. Aquello terminó convirtiéndose en un espectáculo en el que la actriz se da el gustazo de interpretar, a modo de recital, fragmentos de las obras fundamentales del poeta granadino, entre ellas Bodas de sangre, Doña Rosita la soltera, Yerma, Sonetos del amor oscuro y, claro, El público.
Es una auténtica gozada ver hasta qué punto Escolar hace suyas las palabras de Federico, como pone voz, cuerpo y alma en cada frase, en un pequeño gran acontecimiento escénico que gira en torno al amor y las mujeres como hilo argumental, porque como ella misma dice, “sorprende cómo puede retratar tan bien a la mujer”. Ella y un atril, ella y Lorca, vivo en cada palabra, sencillez y pureza al servicio de su poesía amarga que siempre es aliciente para despertar de los mil letargos a los que nos somete la vida contemporánea.
Lorca siempre ha estado de una forma u otra presente en la vida de Irene Escolar, siendo además último eslabón por ahora de una larga cadena familiar dedicada al teatro. Debutó a los 9 años en un montaje de Mariana Pineda, sin ir más lejos. “La poesía de Federico tiene una musicalidad y unas imágenes tan potentes que siguen en mi corazón desde entonces. Federico pone en palabras lo que yo siento”, y cualquiera que asista a este recital las sentirá doblemente. Recital que comienza, por cierto, con un fragmento de Poeta en Nueva York: “Señoras y señores: siempre que hablo ante mucha gente me parece que me he equivocado de puerta”.
19.00 h
SALA VERDE
Federico García
Género | Teatro, danza y música
Autor | Federico García Lorca
Dramaturgia | Evelyn Arévalo y Pep Tosar
Dirección | Pep Tosar
Intérpretes | Cante: Mariola Membrives y María José Llego / Guitarra: Rycardo Moreno y Marc López / Percusión: David Domínguez y Joni Sánchez / Baile: José Maldonado y Pol Jiménez
Realizador | Agustí Torres
Ayudante de cámara | Francesc Martorell
Escenografía y vestuario | Pep Tosar y Evelyn Arévalo
Técnico de luces y vídeo | Sergio Roca Saiz y Marta Aguado
Técnico de sonido | Marc Rigau y Jonbi Belategui
Producción ejecutiva y distribución | Gabriela Marsal, Leila Barenboim y Mireia Gràcia (Mika Project)
Coproducción | Oblideu-vos de nosaltres SLU, Festival Grec de Barcelona
Entrevistados | Vicenta Montesinos García-Lorca, Antonina Rodrigo, Allen Josephs, Juan de Loxa, Mario Hernández y Domingo Ródenas
Duración | 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
Pep Tosar ha escrito y dirigido ya varios espectáculos dedicados a contar la vida y la obra de poetas como Guillem d’Efak, Blai Bonet, Vicent Andrés Estellés o Damià Huguet. El mismo patrón narrativo aplicado en esos montajes es el que ha seguido para componer este acercamiento a la figura de Lorca, un compendio de registros y lenguajes diversos que ofrecen al espectador una mirada poliédrica y estimulante sobre el personaje. En Federico García hay guitarra flamenca, cante, baile, recitado y vídeo documental.
Una suerte de biografía teatral que se ciñe a 10 episodios de la vida del poeta, que se corresponden con otras 10 escenas que tratarán de recoger, de forma cronológica, esos momentos biográficos relacionados con las obras que durante los mismos se generaron. El nacimiento en Fuentevaqueros, el traslado a Granada, la universidad, los viajes por España y los encuentros con Machado, Juan Ramón y Unamuno, el salto a Madrid y la Residencia de Estudiantes con Buñuel y Dalí, la Generación del 27, Nueva York y Cuba, Buenos Aires y Montevideo, el éxito de su teatro de vuelta a Madrid, la Guerra Civil y el asesinato.
Sencillo y efectivo, el montaje se desarrolla en un escenario dividido por un tul traslúcido tras el cual se disponen, a la manera de un tablao, el guitarrista, la cantaora, el bailaor y la actriz que recita. Sobre el tul se proyecta el documental que contiene fragmentos de entrevistas, fotografías y dibujos del poeta, y un viaje en tren de Madrid a Granada hecho por el propio bailaor. La estructura general del espectáculo está apoyada en la música de la guitarra, según el palo escogido para cada una de las 10 escenas. En definitiva, teatro, imagen, flamenco y poesía, perfecto resumen de la vida de Federico.
21.00 h
SALA ROJA
Federico flamenco Lorca
Género | Música
Intérpretes | Carmen Linares, cante / Salvador Gutiérrez, guitarra / Eduardo Pacheco, guitarra / Pablo Suárez, piano / Josemi Garzón, contrabajo / Karo Sampela, batería / Rosario y Ana María, coros y palmas / Lucía Espín, actriz
Artista invitada | Vanesa Aibar, baile
Equipo técnico | Álvaro Barco y David Rodríguez (sonido), Olga García (luces) y Lourdes García (producción)
Duración | 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
Cuando Carmen Linares (Linares, 1951) todavía no era la cantante profesional aclamada que hoy es, tarareaba con aires flamencos las canciones de Lorca que le escuchaba cantar a su madre. El influjo lorquiano, bello y trágico al unísono, ha permanecido desde entonces clavado en su sensibilidad y ha sido una constante en su ya larga trayectoria.
Una buena parte de su carrera está habitada por las palabras de Lorca, al punto de que la vinculación de su obra con el mundo flamenco se ha solidificado en buena medida gracias a sus aportaciones. “Reivindicar a Lorca es una obligación para cualquier artista. A Lorca le debemos lo mucho que hizo por dignificar el flamenco”, fueron sus declaraciones tras ser condecorada en 2017 con el Pozo de Plata, el galardón que otorga el Patronato Federico García Lorca, de Granada, esta vez en reconocimiento a la difusión que ha dado Linares al poeta con su cante.
Carmen Linares ha escuchado ovaciones en escenarios tan prestigiosos como el Lincoln Center de Nueva York, el Barbican británico, la Ópera de Sydney o el Liceu barcelonés.
Se la considera una de las más relevantes voces flamencas contemporáneas. Quizá por ello su aproximación a Lorca ha partido siempre desde la vigencia de su legado, desde la validez de su discurso en nuestro tiempo. Así fue con su disco Canciones populares antiguas (1993), en el que rememoraba la grabación que hizo Lorca junto a La Argentinita en 1931, y que ella misma llevó a escena, involucrando ahora el baile. También vislumbró la vigencia del poeta en su decisiva participación en Poeta en Nueva York (2007), coreografía de Blanca Li que, justamente, traía los poemas al Manhattan contemporáneo y lo convertía en un baile urbano que se expresaba entre el flamenco y la danza contemporánea. Su más reciente recital de cante y poesía Verso a verso ha sido otra de las contribuciones de Linares al universo lorquiano.