DANZA
DIRECCIÓN, Ángel Rojas / BAILE, Ángel Rojas / CANTE, María Mezcle / GUITARRA, Jony Jiménez / PERCUSIÓN, Bandolero / ESPACIO ESCÉNICO y COREOGRAFÍA, Ángel Rojas / COMPOSICIÓN MUSICAL GUITARRA, Jony Jiménez / COMPOSICIÓN MUSICAL PERCUSIÓN, Bandolero / LETRAS, María Mezcle / DISEÑO DE ILUMINACIÓN, Ángel Rojas y Carlos Marcos Molins / DISEÑO DE SONIDO, Víctor Tomé / DISEÑO DE VESTUARIO, Marisa Maggi y Ángel Rojas / TEATRALIZACIÓN DEL VESTUARIO, María Calderón / FOTOGRAFÍA, Beatrix Mexi Molnar / DISEÑO GRÁFICO, Soumahproject+ / ASISTENTE DE DIRECCIÓN ARTÍSTICA, Lorena Oliva / PRODUCCIÓN, Ana Rojas / ADMINISTRACIÓN, Isabel Rojas / DISTRIBUCIÓN, Lola Ortiz de Lanzagorta (New Dance Management)
ÁNGEL ROJAS, BAILARÍN, COREÓGRAFO Y DIRECTOR, PRESENTA EL PRIMER CAPÍTULO DE SU TRILOGÍA GEOGRAFÍA FLAMENCA DEL PENSAMIENTO
Tras 25 años de exitosa andadura desde la fundación en 1995, junto con Carlos Rodríguez, del Nuevo Ballet Español, Ángel Rojas inicia en 2020 una nueva etapa creativa y artística, en solitario, al frente de un proyecto que pretende ser un paso más en su carrera como director artístico, coreógrafo e intérprete: Ángel Rojas Flamenco Dance Project. La búsqueda de nuevos lenguajes contemporáneos, sin renunciar a la raíz profunda del flamenco y la danza española, son los ejes sobre los que se cimienta esta nueva y apasionante etapa.
Así nace Geografía flamenca del pensamiento, una trilogía a través de la cual pretende hacer un análisis profundo no sólo de lo que artísticamente concierne a la pura creación, sino también de la reflexión de cómo afecta el flamenco al pensamiento humano, independientemente del lugar geográfico en el que nos encontremos.
Ser baile es el primer capítulo de la trilogía. Un espectáculo que pone el acento en la verdadera transformación del intérprete a lo largo de su viaje emocional, con los diferentes elementos que cuestionan y colaboran en la mutación de la materia en algo no tangible, que es capaz de trasformar los propios pensamientos en algo totalmente fascinante: el momento en que el cuerpo deja de ser cuerpo para llegar a ser baile. Las fases que desde el arco argumental y emocional se plantean para llegar a poseer este preciado momento se marcan desde la propia raíz del flamenco es su estado más virgen, y no son otras que: toque, cante y percusión.
TEATRO FAMILIAR
DIRECCIÓN, Jordi Palet Puig / INTERPRETACIÓN, Olalla Moreno, Jordi Farrés y Pep Farrés / ESCENOGRAFÍA, Alfred Casas / MÚSICA, Jordi Riera / ILUMINACIÓN Y TÉCNICO, Jordi Llongueras / VESTUARIO, Flavia Onofre das Neves / AYUDANTE DE DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA, Ingrid Domingo / FOTOGRAFÍA, Arian Botey / PRODUCCIÓN Y DISTRIBUCIÓN, Sylvie Lorente
Espectáculo recomendado para todos los públicos, incluidas las personas sordas signantes, a partir de 8 años.
¿QUÉ PASARÍA SI EN EL CUENTO DEL FAMOSO FLAUTISTA HUBIERA UNA NIÑA SORDA?
Imaginemos un paisaje vagamente medieval en pleno siglo XXI (a veces, todavía se oyen ecos feudales), con papeles roídos, sacos, ropa gastada y madera carcomida: una ciudad invadida por las ratas. Imaginemos dos hermanos, un niño y una niña, Clara y Bruno, que conviven en aquel entorno como parte de su día a día. La llegada de un extraño, al que prometen una recompensa que no llegará nunca (el alcalde no es un hombre de palabra), pondrá fin a la plaga de ratas pero casi pone fin a los niños y niñas de la ciudad. Ahora, Clara y Bruno son mayores, y nos cuentan lo que pasó en la ciudad de Hamelín desde distintos puntos de vista: con y sin palabras.
La compañía Farrés Brothers i Cia alteran el argumento tradicional del cuento añadiendo un personaje que no oye, Clara, a través del cual quieren poner de manifiesto las ventajas de tener desventajas, de las “otras capacidades”; y los silencios que se esconden en este mundo ruidoso y chillón nuestro, pero lleno de cosas que no se dicen, hechos que se esconden, gente que habla sin decir nada... y personas que oyen, pero no quieren escuchar. Un alegato a favor de la comunicación no verbal, la expresión del cuerpo y la pachanga entendida como un modus vivendi, en el que el juego escénico y la emoción están garantizados
DANZA FLAMENCA
DIRECCIÓN, Ana Morales y Guillermo Weickert / COREOGRAFÍA Y BAILE, Ana Morales y José Manuel Álvarez / COLABORACIÓN COREOGRÁFICA, David Coria / CANTE, Juan José Amador / GUITARRA, Juan Antonio Suárez “Canito” / BATERÍA Y MÚSICA ELECTRÓNICA, Daniel Suárez / CREACIÓN DE SONIDO Y TÉCNICO, Kike Seco / CREACIÓN DE LUCES, Olga García (A.A.I.) /COLABORACIÓN, Michio Woirgart (música electrónica), Sabio (multiinstrument contemporáneo) e Ivan Bavcevic (Escuela de la consciencia) / ESCENOGRAFÍA, Francisco Munzón / VESTUARIO, Pilar Cordero, López de Santos, Belén de la Quintana, Marcela y Cotelac / PRODUCCIÓN, Daniela Lazary (Artemovimiento) y Ana Morales Compañía de Danza / AYUDANTE DE PRODUCCIÓN Y REGIDOR, Jorge Limosnita / COPRODUCCIÓN, London Flamenco Festival (Sadlers´s Wells Theater), Festival de Jerez y Tanzhaus Düsseldorf / MANAGEMENT, DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN Y DISTRIBUCIÓN, Daniela Lazary (Artemovimiento) y May Torrejón (Matel Cultura) / FOTOGRAFÍA, Óscar Romero
ESPECTÁCULO GALARDONADO CON EL PREMIO GILARDILLO AL BAILE Y TRES PREMIOS LORCA
Convertida ya en una de las máximas representantes de esa generación de artistas que ha venido a revolucionar el flamenco actual, la coreógrafa, bailarina y bailaora Ana Morales (Barcelona, 1982) llena la escena con sus movimientos de amplias formas, sensualidad y elegancia innata.
Galardonado con el Premio Giraldillo al Baile en la Bienal de Sevilla 2018 y tres Premios LORCA 2019 a Mejor coreografía, Mejor intérprete femenina de danza flamenca y Mejor espectáculo de flamenco, Sin permiso. Canciones para el silencio es el resultado de dos procesos: el de maduración de Ana Morales y el de la búsqueda de sus raíces andaluzas, indagando en la vida de su padre, un hombre de vida dura que, con pocas palabras y muchos silencios, la introdujo en el mundo del flamenco. Es el arte como la última gota de la reflexión, de la expresión individual, de la libertad. Es un poderoso drama con epicentro en el corazón de una Ana Morales que, explotando todo su potencial referido al campo de la creatividad e innovación, ha dejado huella de su ingenio y su identidad. Y lo ha hecho sin violar las convenciones básicas del arte, con el uso de la imaginación, aportando una nueva realidad como alternativa a la indiferencia de lo muy trillado.
Sin permiso. Canciones para el silencio es un espectáculo íntimo, de una delicadeza extraordinaria. También frágil, como todo lo delicado, y que requiere de una actitud activa, una apertura por parte del espectador: el deseo de mirar sin prisas y acompañar lo que sucede en el escenario.